Wie betrachtet man Kunst im Zeitalter der Ablenkung? Sechs Bücher zum Verständnis der heutigen Wahrnehmung

In ihrem jüngsten Buch „ Die Welt sagen: Eine Einführung in die Sprachphilosophie“ (Malba Literatura) stellt die Erzählerin, Übersetzerin und Essayistin Mariana Dimópulos Folgendes fest: „ Das Bild hat zunehmend an Bedeutung gewonnen und die Technik des Wortes ist zu einer Technik der statistischen Ansammlung von Informationen geworden. So verlieren alte Ausdrucksformen , die bis vor kurzem noch zentral waren, an Bedeutung. Und die Künste verändern sich, und die Literatur verändert sich , und was wir sehen und worauf wir achten, ist nicht mehr ausschließlich das geschriebene Wort , sondern etwas anderes oder etwas anderes.“

Diese Überlegungen, die für viele schrecklich und verheerend klingen mögen, weil sie vom Ende einer Art des Daseins in der Welt sprechen, spiegeln eine Gewissheit wider, die in der historischen Gegenwart immer deutlicher wird: das Übergewicht des Visuellen auf Kosten der traditionellen Verwendung des geschriebenen Wortes.

In diesem Sinne gewinnt die bildende Kunst als Kunstbereich in einer Zeit, in der diese Auffassung in ständiger Spannung steht („Wenn alles Kunst ist, was ist dann Kunst?“), im Kontext der Neukonfiguration nach der Pandemie eine neue Bedeutung . Das heißt: Der Blick muss neu geschult werden, denn wir leben in Zeiten, in denen angesichts der überwältigenden Massifizierung und Kontamination der Netzwerke sowie der Neuausrichtung der Subjektivitäten während der Pandemie die Wahrnehmung und Bewertung von Bildern destabilisiert ist, getrieben von einer anhaltenden Ernüchterung.

Wie können wir lernen, die Dinge neu zu sehen? Als Reaktion auf diese Situation ist gerade eine Reihe von Büchern erschienen, die versuchen, dieses zeitgenössische Problem in Bezug auf die bildende Kunst aus verschiedenen Perspektiven und Interventionen zu betrachten. Werfen wir einen Blick darauf.

Die Dichterin, bildende Künstlerin, Kuratorin und – wie sie selbst in ihrer Biografie erwähnt – Hausfrau Fernanda Laguna schreibt: „Das Wort ‚Kunst‘ ist wie ein Zwergstern, der beim Wachsen verbrennt , weshalb es mich Energie kostet, es zu nutzen. Für mich ist Kunst kein Objekt oder eine Ansammlung davon, sondern dieses Wort drückt eine Welt aus, die ich, um eine Analogie zu ziehen, ‚trans‘ nenne.“

In seinem jüngsten Buch „¡Muy Espectacular! Deseos, Cartas y Textos de Arte (1995–2025)“ (Reservoir Books) zeigt Laguna eine Art, das Auge zu nutzen, die sich völlig von jeder theoretischen Einsicht distanziert („Ich bin als Künstler aufgestiegen“), um eine sinnliche und andächtige Annäherung an die Werke zu schaffen: „Ich bin fasziniert von dem, was andere tun, deshalb arbeite ich viel in Gruppen“, schreibt er.

Es handelt sich um Texte, die immer ein Zielpublikum haben und daher personalisiert werden, wodurch Intimität und Nähe entstehen : Mariela Scafati, Tracey Emin, Diana Aisenberg, Guillermo Iuso, Gumier Maier, Roberta Iannamico u. a. Auf diese Weise sucht Laguna nach ihrer eigenen Vorstellung von Schönheit (ist Kunst etwas Schönes?), wobei sie sich stets von vorgefertigten und institutionalisierten Räumen und Bildern entfernt, um sich einem emanzipierten Blick – und einer emanzipierten Stimme – zu stellen.

Auf Seite 53 sagt er: „Mich leitet die Aufregung, dass etwas erscheinen könnte, was ich mir nie hätte vorstellen können.“ Geht es in der Kunst heute um Vorstellungskraft? Sehr spektakulär! Sie arbeitet mit einer Idee: Urteile – und erst recht Vorurteile – zerstören das ästhetische Erlebnis.

Das größte Symptom unserer Zeit – dank Internet, Pandemie und sozialen Medien – ist die Unfähigkeit, die Aufmerksamkeit über immer kürzere Zeiträume hinaus aufrechtzuerhalten . Welche Auswirkungen hat dies auf Kunst und Ausstellungen? Natürlich sehr stark, denn Kunst ist in den Alltag eingebettet.

Künstlern unserer Zeit ist es jedoch möglich, diese fragmentierte – oder gar gebrochene? – Aufmerksamkeit zu nutzen und sie in einen Dialog mit ihrer Bildsprache zu bringen. Claire Bishops „Disturbed Attention: Ways of Seeing Art and Performance Today“ (Black Box) befasst sich mit diesem Thema und erwägt mögliche Lösungen/Neuerfindungen.

Der Autor schreibt: „Die Art und Weise, wie wir Aufmerksamkeit definieren, ist untrennbar mit unserem Selbstverständnis als Menschen verbunden.“ Und weiter: „ Die Pathologisierung der Aufmerksamkeit führt zu einer Trennung zwischen Geist und Körper , Individuum und Gesellschaft. Man ist erleichtert, dass der Defekt nicht bei einem selbst, sondern beim eigenen Gehirn liegt. Aber die Behandlung erhält man immer noch als Individuum, nicht als Gesellschaft.“

Ein Buch, das aktuelle Ereignisse interpretiert, um eine konkrete Frage zu beantworten: Worauf schauen wir, wenn wir nicht aufmerksam sein können? Ein kritischer Text, der hilft, die Position neuer Zielgruppen zu verstehen. Und was man damit anfangen kann.

Tagebuch. Tagebuch einer Künstlerin (Chai Editora) von Anne Truitt ist ein Buch, das eine Möglichkeit bietet: in die geistige Werkstatt einer Künstlerin einzutauchen. Anfang der 1970er Jahre erhielt die amerikanische Künstlerin mehrere Auszeichnungen und war überwältigt. Sie hatte das Gefühl, sich selbst zu verlieren. Sie traf eine Entscheidung: Sie kaufte sich ein Notizbuch und begann zu schreiben.

Im Prolog sagt sie: „ Die einzige Einschränkung, die ich mir selbst auferlegte, bestand darin, den Künstler sprechen zu lassen. Ich hoffte, dass ich, wenn ich dies ehrlich täte, eine Perspektive finden würde, die mich in meinen eigenen Augen vollständig machen würde.“ Sie erklärt weiter: „Ich begann zu erkennen, wie mein Leben aufgebaut war, während ich es lebte, wie natürlich und unvermeidlich ich zur Künstlerin geworden war.“

Daybook deckt den Zeitraum von 1974 bis 1980 ab und ermöglicht uns, Truitts Alltag zu beobachten und zu sehen, wie sie ihren Weg in der Kunst ebnete, während sie Mutter wurde und als freie Künstlerin lebte. Der Text ist von aktueller Relevanz, da er aktuelle Themen anspricht: die Wirtschaft, Mutterschaft, die Zukunft der Gesellschaft und den Wert der eigenen Arbeit inmitten einer Welt, die unweigerlich zu zerfallen scheint.

Ein Gegenstück zu diesem Buch könnte daher der kürzlich erschienene Essay „The Eye-Brain: New Histories of Modern Painting “ (Cactus) von Éric Alliez und Jean-Clet Martin sein. Es handelt sich um einen Text, der versucht, mithilfe philosophischer Sprache in die Funktionsweise des Geistes eines bildenden Künstlers einzudringen.

Es handelt sich um ein Werk, das versucht, die Beziehung zwischen Auge und Gehirn – dem Auge-Gehirn – und die Art und Weise des Sehens aus einer historisch-kritischen Perspektive zu ergründen, die von Goethe bis Cézanne reicht.

Der außergewöhnliche Künstler und Schriftsteller Luis Felipe „Yuyo“ Noé hinterließ zwei Bücher, die einen entscheidenden Moment in der Beziehung zwischen Schöpfung, reflektierender Theorie und Essay markieren: „Das schreibende Auge“ (Ampersand) und „Das Chaos annehmen. Im Leben und in der Kunst “ (Cuenco del Plata). Diese beiden Texte dienen als Bindeglieder auf einer spannenden Reise durch die argentinische Kultur : Entstehung und Vermächtnis, oder der prägende Anfang und ein apotheotisches Ende.

In „The Writing Eye“ bietet Noé einen umfassenden Überblick über seine Beziehung zu den Gemälden, Büchern und Situationen, die ihm die Werkzeuge zum Nachdenken über Kunst und zur Konzeptualisierung seiner eigenen Zukunft als Schöpfer von Bildern, Gemälden und Schriften lieferten . Es ist ein aufschlussreiches Buch, weil es uns hinter die Kulissen eines brillanten Künstlers führt und uns fragen lässt, woher so viele Ideen kommen.

„Assuming Chaos“ wiederum ist einer der Essays des Jahres . Nicht nur, weil er auf brillante, komplexe und vielfältige Weise versucht, das Chaos zu begreifen (lesen Sie den Dokumentarfilm „Three in the Drift of the Creative Act“ von Fernando „Pino“ Solanas, wenn Sie tiefer eintauchen möchten), sondern auch, weil er uns dazu bringt, die chaotischen Zeiten, in denen wir leben, durch die Augen eines brillanten Künstlers zu betrachten.

„Embracing Chaos“ ist ein Muss, wenn Sie verstehen möchten, wie ein Künstler wie Noé bis zum Ende mit der gleichen Klarheit und dem gleichen Antrieb unglaubliche Artefakte schaffen kann.

Die Lektüre des englischen Malers, Kritikers und Schriftstellers John Berger und des italienischen Historikers Carlo Ginzburg führt zu zwei miteinander verbundenen Gedanken: Diese beiden wissen wirklich, wie man sieht, und sie wissen besser als jeder andere, wie man über das schreibt, was sie gesehen haben. Zwei ihrer gerade erschienenen Bücher spiegeln diese Realität wider: „Some Steps Toward a Small Theory of the Visible“ (Interzona) von Berger und „A Story Without End “ (Ampersand) von Ginzburg.

Während Berger in einer Reihe von Essays aus verschiedenen Epochen fragt und hinterfragt, welchen Platz der Maler (der Autor spricht von „Widerstand“) in einer von Bildern wie der heutigen geplagten Welt einnimmt, reflektiert Ginzburg in neun exquisiten Essays aus seinem Raum, dem der Mikrogeschichte, die Art und Weise, wie Bilder mit Worten verbunden sind und wie wir über das sprechen, was wir sehen. Es handelt sich also um eine „unendliche Geschichte“: Wir haben schon immer über das gesprochen, was wir sehen.

Das heißt: Die Frage, die sie ansprechen, ist direkt: Wie kann man den Worten und der konfrontativen Arbeit künstlerischer Bilder in dieser hochvisuellen Welt, in der nichts auf der Netzhaut hängen zu bleiben scheint, Tiefe (und natürlich Wert) verleihen ?

Zum Abschluss (und um zum Anfang zurückzukehren) lohnt es sich, über die folgenden Worte von Mariana Dimópulos in Decir el mundo nachzudenken: „Die Welt, die zu viele Diskurse produziert und nur einen kleinen Teil dieses selbstreflexiven Überschusses für Dinge nutzt, die sich lohnen, wird weiterhin Geräte und Technologien schaffen, solange dies unsere Art zu leben und zu begreifen ist, was (unserer Meinung nach) wichtig für uns ist.“

Die vielleicht größte Herausforderung dieser Zeit, in der alles unaufhörlich überreizt wird und nichts mehr bleibt, besteht darin , wieder Wert, Bedeutung und Transzendenz zu schaffen . Wie immer ist es eine kollektive Aufgabe, diesem steuerlosen Schiff einen neuen Horizont zu geben, zu der jeder seinen Teil beiträgt. Die Bücher, die wir in diesem Artikel vorstellen, sind der Beweis dafür, dass es möglich ist, die bildende Kunst neu zu denken, und zwar aus dieser Perspektive der Geschichte.