Diese Auszeichnung ist die Ernte derjenigen, die mir beigebracht haben, das Land zu lesen: Rojas Rabiela
Daniel López Aguilar
Zeitung La Jornada, Sonntag, 8. Juni 2025, S. 2
Teresa Rojas Rabiela hat eine Karriere aufgebaut, die Generationen umspannt und als lebendiges Zeugnis der Ethnogeschichte gilt. Sie ist in der Lage, ein Mexiko zu enthüllen, das seinen Wurzeln und seinem überlieferten Wissen treu bleibt.
Der Nationale Preis für Kunst und Literatur 2024, der kürzlich in den Kategorien Geschichte, Sozialwissenschaften und Philosophie ausgeschrieben wurde, würdigt ihr beharrliches Engagement für einen Dialog, der Epochen überwindet und traditionelles und zeitgenössisches Wissen verbindet.
Im Schutz ihres großen Gartens, einem Ort, den sie mit Geduld pflegt und in dem die Pflanzen ihr zuzuhören scheinen, erinnerte sie sich gelassen an mehr als fünf Jahrzehnte, die sie dem Zentrum für Forschung und fortgeschrittene Studien in Sozialanthropologie (CIESAS) gewidmet hat.
Von dieser bescheidenen Ecke aus etablierte er ein Projekt, das heute in vielen Regionen des Landes Anklang findet und Stimmen und Erinnerungen zum Leben erweckt hat, die dank seiner Bemühungen wieder zum Leben erweckt wurden.
„Diese Auszeichnung zu erhalten, ist ein Moment der Freude, aber auch ein Spiegelbild der Lehrer, der Familie und der öffentlichen Bildung, die mich geprägt haben“
, erzählte sie in einem Interview mit La Jornada. „ Ihr Blick richtet sich daher auf all jene, die den Weg des kollektiven Wissens gegangen sind.“
In seinen Arbeiten beschäftigt er sich unter anderem mit den landwirtschaftlichen und hydraulischen Systemen, die die Völker Mesoamerikas über Jahrhunderte hinweg entwickelt und perfektioniert haben und die ein Wissen widerspiegeln, das tief in der Natur und im Wasser verwurzelt ist.
Ein großer Teil seiner Aufmerksamkeit gilt dem 16. Jahrhundert, als die Ankunft der Europäer einen komplexen Austausch, ein Gefüge aus Kultur, Widerstand und eine tiefgreifende Neugestaltung der einheimischen Gesellschaften ermöglichte.
Um die landwirtschaftlichen und hydraulischen Veränderungen jener Zeit zu verstehen, muss man tiefe Kenntnisse über die indigene Welt mit einem kritischen Blick auf die Ankunft der Europäer verbinden, ohne dabei die Beständigkeit des überlieferten Wissens zu verlieren
, fügte Rojas Rabiela (Mexiko-Stadt, 1947) hinzu.
Daher ihre gemischte Methode: Archive, Chroniken und Kodizes erhellen sich für sie nur dann, wenn sie sie mit dem Puls der Landschaft kontrastiert, in Chinampa-Dörfern schläft und sich mit Bauern unterhält, die noch immer den Schlamm zwischen ihren Zehen spüren.
Die Chinampas, künstliche Inseln, die als Oasen des Einfallsreichtums entstanden, wurden zu den Protagonisten seiner Forschung.
Er entdeckte, wie die Chinamperos schon früh neu eingeführte Nutzpflanzen wie Kohl und Salat integrierten – Symbole der Fruchtbarkeit der Mestizen, die Tradition und Erneuerung vereinen. Derzeit arbeitet er an einem Text über Weizen, diese andere Pflanze der Alten Welt, um zu entschlüsseln, wie eine Zivilisation ohne Viehzucht und Eisen ein riesiges landwirtschaftliches und soziales System aufrechterhielt.
Resilientes Management
Während seiner Zeit als Direktor von Ciesas (1990–1996) erbte er ein begrenztes Budget, gemietete Räumlichkeiten und einen akademischen Mitarbeiterstab mit wenigen Postgraduiertenabschlüssen.
Er nutzte diese von Krisen und Kürzungen geprägte Zeit als Chance: Er vermittelte Stipendienverträge für Forscher, darunter auch solche, die nach Brasilien, England oder in die USA reisten, und nutzte das damals sehr effektive Talentrepatriierungs- und -bindungsprogramm von Conacyt. Außerdem startete er in Zusammenarbeit mit der UNAM den ersten E-Mail-Dienst des Zentrums und belebte das Verlagswesen neu.
Es handele sich um einen mehrgleisigen Ansatz; Widerstandsfähigkeit und strategische Vision müssten Hand in Hand gehen, damit die Institutionen überleben und neue Horizonte finden könnten
, sagte er.
Rojas Rabiela gilt als Tochter des öffentlichen Bildungssystems und ihre Kindheit reicht zurück bis zum Kindergarten des mexikanischen Sozialversicherungsinstituts, zur Grundschule Prepa 1 in San Ildefonso und zur Nationalen Schule für Anthropologie und Geschichte, die sich damals in den oberen Stockwerken des kürzlich eröffneten Nationalen Anthropologiemuseums befand.
Dort entdeckte er unter der Anleitung von Guillermo Bonfil die Feldforschung auf den Fastenmessen von Chalco-Amecameca und Morelos, während das Nationalarchiv (AGN), das damals einen Flügel des Nationalpalastes einnahm, zu seinem zweiten Zuhause wurde.
Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit der Mexikanischen Akademie der Wissenschaften, dem College für Ethnologen und Sozialanthropologen, der AGN und natürlich Ciesas zusammen, wo er ein Netzwerk knüpfte, das das mexikanische anthropologische Denken nährt.
Sechs Bücher – allein verfasst, 13 gemeinsam verfasst und 32 als Herausgeberin oder Koordinatorin – spiegeln dieses Engagement wider. Darüber hinaus spiegeln Projekte wie die Modernisierung des Nationalen Agrarregisters und des Historischen Wasserarchivs ihre Archivarbeit wider. 1987 erhielt sie den Preis der Mexikanischen Akademie der Wissenschaften, der damals Personen unter 40 Jahren vorbehalten war.
Für den emeritierten Nationalforscher sind Geschichte und Ethnogeschichte „ein ständiger Dialog mit der Vergangenheit, ein Echo, das in die Gegenwart und in die täglichen Gesten derer eindringt, die das Land bewirtschaften oder seine Erinnerung rekonstruieren.“
Um landwirtschaftliche und hydraulische Technologien zu verstehen, müsse man verstehen, wie Gemeinschaften trotz Widrigkeiten und äußeren Angriffen ihr Gleichgewicht mit der Umwelt bewahren,
betonte er.
Mit der Gelassenheit eines Menschen, der sein ganzes Leben dem Zuhören, Beobachten und Weitergeben gewidmet hat, betonte er, wie wichtig dieses Wissen sei und bewahrt werden müsse. „Das müssen wir jungen Menschen vermitteln; das ist eine der Tätigkeiten, die ich am lohnendsten finde.“
Diese Auszeichnung ist das Ergebnis vieler Hände: meiner Lehrer, meiner Kollegen, der Bauern, die mir beibrachten, das Land zu verstehen, und der Studenten, die heute ihre eigene Erinnerungskultur pflegen. Wenn uns diese Anerkennung etwas gibt, dann ist es die Gewissheit, dass Geschichte nicht in den Regalen schläft, sondern in jedem Archiv, das wir öffnen, keimt.
Schwedisches Museum widmet Ausstellung der kubanischen Künstlerin Belkis Ayón und ihrem anspruchsvollen Werk
Mythologies konzentriert sich auf Sikan, einen Ort afrikanischer Kultur // Der Veranstaltungsort wird seit den 1990er Jahren von einem dekolonialen Diskurs geprägt, sagt Regisseurin Katarina Pierre
▲ Die Dinner-Installation, 1988, von Belkis Ayón, ist im Bildmuseet zu sehen. Kolographie. © Belkis Ayón Estate. Foto mit freundlicher Genehmigung des Belkis Ayón Estate .
Alejandra Ortiz Castañares
Spezialangebot für La Jornada
Zeitung La Jornada, Sonntag, 8. Juni 2025, S. 3
Florenz. Das Bildmuseet (Schweden) präsentiert „Belkis Ayón: Mythologies“, die erste nordische Retrospektive der kubanischen Künstlerin (1967–1999). Im Mittelpunkt steht ihre Auseinandersetzung mit der weiblichen Figur der Sikán aus der afrikanischen Mythologie. Die Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit dem Oxford Museum of Modern Art in England (wo sie zuvor gezeigt wurde) organisiert wurde, ist bis zum 23. November 2025 geöffnet.
Belkis Ayón: Mythologies präsentiert mehr als 30 Werke und Skizzen, die zwischen 1985 und 1998 entstanden sind. Zu den frühesten zählen die Lithografie Sikán (1985) und eine Reihe kleinformatiger Farbdrucke aus dem Jahr 1986. Zunächst experimentierte Ayón mit grafischen Techniken, vor allem mit der Lithografie, bevor sie sich der Schwarz-Weiß-Kolorografie zuwandte, die zu ihrem wichtigsten Ausdrucksmittel wurde.
Belkis Ayón, die sich mit den tiefsten Schichten des afrokubanischen Synkretismus befasste, erlebt seit ihrer großen Retrospektive im Museum Reina Sofía in Madrid (2021–2022) und auf der Biennale von Venedig ein starkes Comeback in der europäischen Museumsszene.
Die Ausstellung im Bildmuseet – dem Museum für zeitgenössische Kunst der Universität Umeå in Nordschweden – ist Teil dieser Welle der Neubewertung, verfolgt jedoch einen ganz eigenen Ansatz. Seit 1988 arbeitet Ayón in Großformaten und fügt mehrere gedruckte Abschnitte zusammen, wodurch er mit großer Präzision und starker dreidimensionaler Präsenz nahezu lebensgroße Figuren schafft.
„Ich war absolut überwältigt, als ich Belkis Ayóns Ausstellung im Reina Sofía in Madrid sah
“, sagt Katarina Pierre, Co-Kuratorin zusammen mit Brita Täljedal und Sandra García Herrera, in einem Zoom-Interview mit La Jornada. „ Es war ein Erlebnis, diesen großformatigen, mit erstaunlicher Präzision ausgeführten Kollografien zu begegnen. Ich kannte ihre Arbeit nicht, und ihre visuelle und symbolische Kraft hat mich tief berührt
.“
Pierre (geb. 1962) ist Kunsthistorikerin. Sie arbeitet seit 1995 als Kuratorin am Bildmuseet und ist seit 2011 dessen Direktorin. Unter ihrer Leitung etablierte sich das Museum als führende Institution in Europa, die sich der Erforschung der Schnittstellen zwischen Kunst, Wissenschaft und Gesellschaft verschrieben hat. Seit den späten 1990er Jahren verfolgt die Kunsthalle eine offene und progressive Haltung. 1998 – lange bevor der dekoloniale Diskurs an Fahrt gewann – organisierte Pierre als Kuratorin eine Ausstellung, die südafrikanischen Künstlern und Fotografen gewidmet war, darunter dem Fotojournalisten Santu Mofokeng. Damit initiierte sie eine kuratorische Linie, die später Künstler wie Zanele Muholi, Zineb Sedira, Grada Kilomba, John Akomfrah und Ana Mendieta einschloss.
Pierres Interesse an Ayón führte sie zur Belkis Ayón Stiftung in Havanna, und die Ausstellung verlief erst nach drei Jahren. Die Stiftung wurde 2003 von Katia Ayón (1968–2020), der Schwester der Künstlerin, gegründet und hat maßgeblich zur Förderung ihres Erbes beigetragen. Die kubanische Kuratorin Cristina Vives kuratierte eine Wanderausstellung in den USA (2016–2021).
Zwischen Mythen, Schweigen und Macht
Ayóns Werk dreht sich um die Geheimgesellschaft Abakuá, eine Männerbruderschaft afrikanischer Herkunft (Nigeria und Kamerun), die im 19. Jahrhundert in Kuba gegründet wurde. Das Paradoxe, so Pierre, sei, dass Ayón, eine Frau afrikanischer Abstammung und Atheistin, dieses geschlossene Universum als symbolischen Rahmen wählte, um über sich selbst zu sprechen.
„Die zentrale Figur ihres Werks ist Sikán, eine Frau, die der Abakuá-Legende zufolge versehentlich den heiligen Fisch fängt, der den Männern vorbehalten ist, und so Wissen und Macht erlangt. Dafür wird sie mit dem Tod bestraft. Belkis sagte, Sikán sei ihr Alter Ego“, erklärt Pierre. Diese marginalisierte, aber dennoch wesentliche weibliche Figur wird von der Künstlerin neu interpretiert. Sie stellt sie in den Mittelpunkt ihrer eigenen Version des Abendmahls und ersetzt Christus durch Sikán und die Apostel durch mundlose Frauen.
Sie können sehen, aber nicht sprechen. Sie können beobachten, aber sie haben keine Stimme. Sie werden zum Schweigen gebracht
, bekräftigt der Regisseur. Diese visuelle Metapher zieht sich durch Ayóns Werk, in dem Themen wie Zensur, Gewalt, Ausgrenzung und innerer Kampf mit verstörender Schönheit zum Ausdruck kommen.
Ayón hat die Technik der Kolografie – die Verwendung strukturierter Materialien zur Erzeugung von Reliefbildern – auf monumentale Weise vorangetrieben. „Als ich ihre Werke zum ersten Mal sah, hielt ich sie für Gemälde. Ihre technische Leistung ist außergewöhnlich“
, erinnert sich Pierre. Als Professorin an der Kunstakademie Havanna beeinflusste sie eine neue Künstlergeneration. 1993 vertrat sie Kuba auf der Biennale von Venedig, wo sie schon zu Lebzeiten internationale Anerkennung erlangte.
Die Verwendung schlichter Materialien, die ausdrucksstarke Wahl von Schwarz und Weiß und der Verzicht auf Farbe zur Verstärkung des symbolischen Inhalts machen sein Werk zu einem wesentlichen Bestandteil der Geschichte der zeitgenössischen Gravur.
Ayóns Präsenz in akademischen Kontexten – wie dem Fowler Museum an der University of California, Los Angeles, dem Jordan Schnitzer Museum of Art an der University of Oregon und nun auch dem Bildmuseum – ist laut Pierre eine Reaktion auf die ästhetische Kraft ihrer Arbeit und das wachsende Interesse an postkolonialen Perspektiven. Unsere Institution arbeitet seit den 1990er Jahren mit afrikanischen und indigenen Künstlern zusammen, darunter auch Sámi, wie beispielsweise der heute renommierten Britta Marakatt-Labba. Ayón fügt sich nahtlos in diese Vision ein
.
Pierre räumt ein, dass Themen der Dekolonisierung in vielen Ausstellungen zu einem kuratorischen Schwerpunkt geworden sind, betont aber, dass dies eine notwendige Entwicklung in der Kunstwelt sei. Im Fall des Bildmuseums handelt es sich um ein langfristiges Engagement: „Für uns ist es keine vorübergehende Modeerscheinung. Belkis ist Teil einer kuratorischen Linie, die wir seit Jahrzehnten entwickeln
.“
Im aktuellen europäischen Kontext – geprägt vom Aufstieg konservativer und einwanderungsfeindlicher Kräfte, auch in Schweden – gewinnt Ayóns Werk erneut an Relevanz. Anfangs sah ich das anders, doch nachdem ich seine Arbeit erlebt hatte, wurde mir klar, dass sie Glaubenssysteme im Allgemeinen in Frage stellt, und das ist von dringender Relevanz: Wir mögen Mythen für überholt halten, doch wir leben weiterhin unter dem Einfluss religiöser, politischer oder ideologischer Mythologien; diese Glaubenssysteme prägen unser Leben und unsere Gesellschaften
.
Ayón starb 1999 im Alter von 32 Jahren auf tragische Weise. Sein Vermächtnis wächst weiter. Ausstellungen wie diese zeigen nicht nur sein außergewöhnliches Talent, sondern laden uns auch ein, uns mit einer breiteren und fruchtbareren Weltanschauung auseinanderzusetzen.
Die Pianistin Yuja Wang präsentierte im National Auditorium die Eleganz ihrer Kunst.
▲ Das Mahler Chamber Orchestra begleitete den in China geborenen Pianisten und Dirigenten. Foto: Omar González
Omar González Morales
Zeitung La Jornada, Sonntag, 8. Juni 2025, S. 4
Die Pianistin Yuja Wang trat im National Auditorium auf, begleitet von den fast fünfzig Musikern des Mahler Chamber Orchestra. Ihr Spiel ist bekannt für seine Eleganz, Präzision und Großzügigkeit.
Am Freitagabend, vor fast vollem Haus im Reforma Theater, das in einen Schleier aus Licht getaucht war, durchbrach Wang die Stille mit der Coriolanus-Ouvertüre. Konzentriert und ungerührt streckte sie ihre Hände über den Steinway & Sons aus.
Sie trat schlicht auf und trug ein typisches – und für manche sogar kontroverses – kurzes Kleid, diesmal schwarz; sie war ausgelassen, sie wirkte befreit. Ihr Lächeln war breit und ansteckend, wie die Musik, mit der sie das Publikum regelmäßig mit Emotionen erfüllt.
Der chinesische Künstler führte das Stück von Ludwig van Beethoven auf und bewegte sich dabei wie gewohnt schnell auf und ab durch die Noten und Bs.
Das Publikum beobachtete sie währenddessen begeistert, als steige es dieselbe Treppe hinauf und hinab, die die schwarzen und weißen Tasten bildeten, mit denen sie ihre Performance nachstellte. Die Herausforderung, vor der Yuja Wang steht, ist keine Kleinigkeit: Sie ist auf ihrer ersten Tournee als Dirigentin, eine Rolle, die sie gleichzeitig als Solistin spielt, was ihr einige Kritik eingebracht hat, weil sie anfällig für Fehler ist.
Ihre Jugend ist ein Beweis für ihr Talent. Sie hat zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen erhalten, doch sie hat schnell bewiesen, warum.
Anschließend spielte die Pianistin Chopins Klavierkonzert Nr. 2 f-Moll, op. 21, flüssig. Mit meisterhafter Technik komponierten ihre Finger das Allegro vivace. Sie war mitreißend; das Publikum war still, ruhig und sprachlos, als sähe es ihr in Euphorie zu. Die Darbietung des begleitenden Orchesters war nicht weniger spektakulär.
Das Stück endete, und die Stille des Publikums endete. Wie Rosen standen sie auf und applaudierten ihr prompt; kein Wunder. Sie erwiderten ihre Großzügigkeit, denn sie hielt sich nicht zurück. Ihre Konzentration war absolut; sie dirigierte vom Klavier aus, stand auf und koordinierte und manifestierte mit ihren Armen die musikalischen Wellen.
Das Repertoire wurde mit Igor Strawinskys Dumbarton Oaks -Konzert in Es-Dur fortgesetzt. Hinter Wang stand der deutsche Geiger José Maria Blumenschein, ein weiterer renommierter Maestro.
Der in Deutschland geborene Sohn brasilianischer Eltern erntete während des Konzerts und durch sein Dirigieren zweier Stücke vor Wangs beiden Auftritten Applaus vom Publikum.
In der Pause jedoch ließ der Pianist es lange dauern, bis er wieder auf die Bühne kam. Das Auditoriumspersonal musste die Positionen des Orchesters ständig neu arrangieren. Auf der Bühne kehrte wieder Stille ein.
Die Verzögerung missfiel dem Publikum, doch jeglicher Ärger verflog, als die Diva in einem neuen, eleganten gelben Kleid zurückkehrte und bereit war, Strawinskys Stück mit meisterhafter Präzision zu spielen.
In dieser Aufführung fielen seine Lebhaftigkeit und Leichtigkeit auf, die seine charakteristische schwindelerregende Technik mit Momenten der Ruhe durchsetzte. Er durchstreifte das Klavier von Anfang bis Ende. Die Geigen waren seine Wächter.
Das letzte Stück, das Klavierkonzert Nr. 1 in b-Moll, op. 23, begann mit einem klingenden Klang, wobei Yuja Wang die Feierlichkeit zeigte, die sie Tschaikowskys Stücken stets verleiht. Sie beschleunigte, bewegte sich vorwärts und spielte herum. Blumenschein begleitete sie.
In diesem Moment erklang im Saal der Gesang zweier Vögel, die sich dem Konzert anschlossen und das Publikum in ihren Bann zogen. Es war, als würden sie dem musikalischen Ruf der chinesischen Künstlerin und ihres Orchesters folgen. Wang übernahm ihre Rolle als Dirigentin: Sie stand auf, bewegte ihre Arme und dirigierte die Flöten, Klarinetten, Hörner, Trompeten und anderen Instrumente, die sie begleiteten.
Sie beendete ihr Konzert, und das Publikum spendete ihr stehende Ovationen. Großzügig kehrte sie zurück, um ihrem Orchester zu gratulieren. Unerwartet setzte sie sich wieder ans Klavier und demonstrierte ihr großes technisches Können noch einmal mit einer kürzeren Version von Arturo Márquez' Danzón Nr. 2. Sie war ganz allein; auch ihre Kollegen genossen die Aufführung. Damit endete ihr arbeitsreicher Tag.
Sie überreichten dem Protagonisten und José María Blumenschein Blumen, die diese entgegennahmen und anschließend an ihre Kollegen weitergaben. Sie teilten den Erfolg und den Applaus.
Das ist Yuja Wang. Egal, wie lange wir warten müssen, um sie zu hören, sie ist eine moderne Piano-Diva.
jornada
