Y al final, Alfred Brendel nos dejó el eco de un coro de hadas en medio del bosque

▲ El pianista austriaco Alfred Brendel durante su último concierto en el Musikverein de Viena, en diciembre del 2008.Foto Afp

Pablo Espinosa

Periódico La JornadaMiércoles 18 de junio de 2025, p. 2

Alfred Brendel, uno de los grandes pianistas de la historia, expiró ayer a los 94 años. El austriaco de origen checo, considerado uno de los máximos intérpretes de Beethoven, Mozart y Schubert, falleció en su casa en Londres, donde residía hace más de medio siglo, rodeado de su esposa, hijos y nietos, quienes describieron la paz de sus últimos minutos.

Además de pianista, ejerció otras disciplinas: compositor, poeta, pintor, lector.

Siendo autodidacta, aprendí a desconfiar de todo lo que no había descubierto yo mismo, solía decir. Su sentido del humor se completaba con un carácter sencillo. Nunca cobró ínfulas.

Su biografía es de novela. Nacido checo, emigró con su familia a Polonia, donde padeció los horrores de la guerra y estuvo a punto de morir por congelamiento.

Una vez iniciada su vertiginosa carrera internacional como pianista, contrastaba sus placeres: viajar y ser sedentario. De manera semejante a Glenn Gould, su par, pasó buena parte de su vida encerrado en los estudios de grabación. Su discografía es descomunal.

La grabación de las obras completas para piano de Mozart le pertenece. Su repertorio giró alrededor de Bach, Haydn, Weber, Schumann, Liszt, Brahms, Mussorgsky y Schoenberg, aunque concentró su energía en tres autores en los que se hizo la máxima autoridad: Beethoven, Mozart y Schubert.

Fue el primer pianista en la historia que grabó toda la obra de Beethoven y Mozart. Sus discos póstumos incluyen una grabación en vivo de sonatas de Schubert, los cinco conciertos de Beethoven con la Filarmónica de Viena (la cuarta serie de grabaciones que hizo de este ciclo) y sonatas de Mozart.

Recientemente se publicó un disco con todas las sonatas de Beethoven para violonchelo y piano, con su hijo, Adrian Brendel.

Fue muy versado en los campos de la literatura, el lenguaje, la arquitectura y el cine. Entre sus libros destaca el volumen titulado Ausgerechnet Ich (Yo de todos los pueblos). Fue colaborador frecuente de The New York Times Review of Books, con artículos sobre Mozart, Liszt y Schoenberg.

Sus libros de poesía incluyen One finger too many, publicado en Estados Unidos por Random House, y tema del documental de la BBC titulado Alfred Brendel – Man and Mask.

El número de premios internacionales que recibió resulta incontable. Apreciaba en particular ser el tercer pianista en la historia en ser nombrado miembro honorario de la Filarmónica de Viena, una distinción que comparte con sus ilustres predecesores Emil von Sauer y Wilhelm Backhaus.

Su concierto de despedida fue un acontecimiento sumamente emotivo, similar a los adioses que en su momento protagonizaron en escena sus colegas directores de orquesta Leonard Bernstein y Nikolaus Harnoncourt.

Ocurrió el 18 de diciembre de 2008, cuando interpretó por última vez en público sus obras más queridas, de la autoría de Mozart, por supuesto, de quien eligió de manera simbólica su Concierto Número 9 para piano y orquesta, denominado Concierto Jeunehomme, una obra que escribió Mozart a los 21 años, llena de innovaciones formales sorprendentes y exuberancia melódica.

Estuvo acompañado por la Filarmónica de Viena, dirigida por su amigo Charles Mackerras.

De su primer matrimonio, con Iris Heymann-Gonzala, tuvo una hija, Doris, quien es una notable intérprete de rock progresivo. En 1975, Brendel contrajo segundas nupcias con Irene Semler y tuvieron tres hijos: el ya mencionado violonchelista Adrian Brendel, además de Katharina y Sophie.

El poder de Alfred Brendel como pianista cautivó a varias generaciones de melómanos. Sus conciertos en vivo eran cada uno de ellos todo un acontecimiento y sus discos son tesoros preciados.

Adrenalina y paz

Si cuando suena un disco uno percibe un aroma exquisito, un vientecillo fragante venido de muy lejos, es inevitable cerrar los ojos mientras una corriente eléctrica nos recorre de la nuca a los talones. Dejan de existir espacio y tiempo y uno siente que se eleva. Si sucede todo eso, es porque Alfred Brendel está al piano y cuando la aguja del tornamesa llega al final del vinilo, el scratch que oímos es como el eco de un coro de hadas en medio del bosque.

Una combinación de adrenalina y paz. El impacto de lo sublime. He ahí el arte del pianista que ayer abandonó el cuerpo físico en paz.

Reporta la agencia Afp: Cuando se retiró de los escenarios en un concierto en Viena en diciembre de 2008, le preguntaron qué echaría de menos. La adrenalina, respondió. Y sonriendo ironizó: y eso a pesar de todos esos tosedores molestos y los teléfonos móviles sonando. También echaré de menos al público, finalizó.

Juan Carlos G. Partida

Corresponsal

Periódico La JornadaMiércoles 18 de junio de 2025, p. 3

Guadalajara, Jal., El canto de las manos es mucho más que el título de un documental presentado en el recién concluido Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), también es la afirmación de que en el mundo de la música no existen límites sensoriales, es un homenaje a los 250 años del nacimiento de Ludwig van Beethoven, pero además es la demostración del talento del director Gustavo Dudamel y la exaltación a su natal Barquisimeto.

Allá, en esa ciudad en el norte de Venezuela, ubicada a medio camino entre Caracas y Maracaibo, Dudamel, seguido por un equipo de filmación a cargo de la actriz y directora española María Valverde –y también su esposa– hizo audiciones a músicos sordos para escoger a quienes interpretarían la ópera Fidelio, obra que Beethoven compuso cuando sus problemas de sordera se agudizaron.

Venían los 250 años del nacimiento de Beethoven y tuve la necesidad de explorar más allá para celebrarlo, dijo Dudamel, quien ha dirigido a las filarmónicas de Los Ángeles, Gotemburgo, Navarra, Simón Bolívar, de la Ópera Nacional de París y, a partir del año que viene, la de Nueva York.

Durante la presentación del documental en el marco del FICG, Dudamel comentó acerca de la elección de los músicos sordos integrantes del Coro de Manos Blancas, la agrupación líder del Programa de Educación Especial del Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, y explicó que el filme no sólo retrata el proceso creativo para lograr la interpretación de la pieza musical, sino que se adentra en las vidas de los intérpretes, lo que ejemplifica su lucha cotidiana para integrarse a la sociedad.

Valverde creó esa visión más personal, la cual propicia una atmósfera de confraternidad entre el espectador y los músicos, así como mostrar las vicisitudes del día a día.

“Explora la sordera a través de la música, siguiendo a Jennifer, Gabriel y José, tres músicos sordos de Venezuela mientras afrontan el reto de llevar a escena por primera vez en lengua de señas a Fidelio, de Beethoven.

La película muestra el aislamiento que los protagonistas experimentan por ser sordos, comprendiendo que la música no sólo es su refugio, sino su salvación y su esperanza, describió la directora acerca de su ópera prima.

Dudamel señaló que la música es universal no sólo porque no necesita traducción, sino porque también puede ser percibida y expresada de formas diversas, al ser algo externo, pero a la vez interno, una conexión que se logra sin necesidad de palabras porque es algo innato al ser humano.

El homenaje al laureado director musical mediante estas conexiones y a un gigante como Beethoven le permitió además resignificar y visibilizar a personas de las que se habla muy poco, pese a su presencia en todos los ámbitos, en el de la música, por ejemplo, da una muestra absoluta de la sanación sin distingo.

El montaje tras la preparación en Barquisimeto sucedió en 2022 en Los Ángeles, un acontecimiento que significó el encuentro entre el mundo sonoro y el visual.

Aunque la idea de documentar el proceso y su finalización con el estreno en la ciudad de California, Estados Unidos, fue de Valverde, también quedó claro que en la filmación ella y su esposo añadieron más ingredientes para expresar su convicción de que el arte debe ser una vía que contribuya a la justicia social.

▲ La danza contemporánea Invisible tiene funciones para todo público en el Foro Polivalente Antonieta Rivas Mercado de la Biblioteca de México.Foto Héctor Ortega/cortesía de Karina Moreno

Ángel Vargas

Periódico La JornadaMiércoles 18 de junio de 2025, p. 3

En el Foro Polivalente Antonieta Rivas Mercado de la Biblioteca de México se presenta los fines de semana Invisible, danza-escucha contemporánea, coreografía que transita entre lo sensorial y lo emocional, creada con y para personas con discapacidad visual, pero abierta a todo público.

Original de la coreógrafa, bailarina y docente Karina Moreno (Ciudad de México, 1990), quien también la dirige, la pieza surgió como una búsqueda personal durante el último año de sus estudios en la Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello, y se ha convertido en un proyecto que cuestiona los límites de la percepción y la inclusión en las artes escénicas.

Fue estrenada en 2022 en el Centro de las Artes de Monterrey como parte del encuentro Otros territorios, y llegó a la Ciudad de México hace un año como una función piloto en el foro al que ahora regresa para ofrecer una temporada de ocho presentaciones, que concluyen el 29 de junio.

De acuerdo con su autora, el nombre de esta pieza alude a diversas situaciones: emociones ocultas, cuerpos excluidos de las academias de danza y una ciudad diseñada desde la hegemonía de lo visual.

“No me gusta etiquetarla como ‘inclusiva’. Es una investigación con la población no vidente, pero habla de lo humano: emociones, crisis y esos días cotidianos que todos atravesamos, tengamos o no una discapacidad”.

La idea nació cuando Karina Moreno, en la búsqueda de un movimiento más auténtico u honesto que la imitación de técnicas –lo que a su decir impera en la formación dancística– se acercó a la comunidad ciega por medio de la compañía Teatro Ciego Mx.

Desde mi perspectiva como bailarina, me interesaba cómo crear movimiento sin depender de la imitación visual. Al entrar en esa comunidad, advertí la manera radicalmente distinta en la que percibimos el mundo las personas videntes de las invidentes; descubrí que la relación de éstas con el espacio y los sentidos es muy distinta.

A partir de ello, la obra se construyó de forma primordial desde dos sentidos: el oído y el tacto, básicos en las personas con discapacidad visual, señala en entrevista.

Los cuatro intérpretes (las actrices Luz Adriana Carrasco e Isabel Contreras, ambas con debilidad visual, así como la violonchelista Maricarmen Graue y el actor Jesús Rodríguez, quienes padecen ceguera) guían sus movimientos con estímulos sonoros, la palabra y texturas en el piso, mientras una audiodescripción invita al espectador a imaginar la escena, no sólo desde la parte técnica, sino también la emocional.

Este último recurso representa una innovación en la danza mexicana –y acaso en la del resto del mundo–, toda vez que se ha aplicado al cine, las series de streaming, el teatro, pero no se conoce de otras experiencias similares.

No sé si esta propuesta de audiodescripción sea funcional para la danza porque, al tratarse de un arte efímero, es muy complejo describirlo en tiempo real. Lo que busqué es que sea funcional para el oyente, que pueda imaginar la escena desde un lugar narrativo, desde la palabra.

Invisible no es un “show en oscuridad” que trate de simular qué y cómo es la ceguera ni busca sensibilizar al público vidente sobre esa condición, precisa la coreógrafa. La apuesta es emocional: habla de esas tormentas internas que todos tenemos y enmascaramos.

Sin embargo, reconoce que sí hay un impacto social, aunque indirecto, al poner sobre la mesa prácticas que en su opinión están invisibilizadas, como que las escuelas de danza –y en general casi todas las de educación artística– excluyen a personas con discapacidad visual o de otra índole por requisitos físicos o falta de adaptaciones.

Las posibilidades de que una persona con cierta condición de discapacidad entre a esas escuelas y haga una carrera formativa en cualquier especialidad artística son escasas. Durante mi formación, no vi a ninguna.

Con duración de 60 minutos, Invisible incluye un recorrido táctil donde el público puede tocar los elementos escénicos. La música original de Ismael Godínez dialoga con la audiodescripción para evitar choques auditivos.

Auspiciado por el Programa Apoyo a la Docencia, Investigación y Difusión de las Artes del Centro Nacional de las Artes, las funciones de Invisible, con entrada libre, son los sábados a las 17 horas y domingos a las 13 horas en la Biblioteca de México (Plaza de la Ciudadela 4, colonia Centro, CDMX).

▲ Aspecto del recién inaugurado museo V&A East Storehouse, ubicado en el este de Londres, Inglaterra.Foto Afp

Prensa Latina

Periódico La JornadaMiércoles 18 de junio de 2025, p. 4

Londres, El museo V&A de Londres brinda a su público la original oferta de elegir, como en un menú, entre unos 250 mil objetos históricos, solicitar el más deseado, observarlo y recibirlo en una sala para una visita privada.

Así sucede desde el 31 de mayo, cuando se inauguró la inusual propuesta en un almacén, especialmente adaptado para la ocasión en este espacio expositivo, donde se permite a cualquiera observar de cerca piezas de la colección, rompiendo esquemas convencionales y promoviendo una interacción directa con el patrimonio cultural.

Visitar una galería y examinar de cerca cerámicas de mil años de antigüedad, disfrutar a solas de joyería de siglos pasados o inspeccionar el interior de un bolso de Versace representa una experiencia única y gratuita planteada con un concepto radicalmente nuevo.

La mayoría de las pinacotecas del mundo tienen valiosas piezas escondidas en sus almacenes, las cuales el público nunca logra ver ni disfrutar; sin embargo, el V&A Storehouse ofrece esa oportunidad.

Estos espacios que atesoran patrimonios deberían ser, y son, para todos, afirmó la curadora principal, Georgia Haseldine, quien agregó: la iniciativa busca democratizar el acceso al arte y a la cultura.

La colección del V&A es para todos y pertenece a quienes aprecien el arte, añadió. Nunca antes se había permitido al público acceder libremente, sin necesidad de reservar, de acceder al mismo espacio que una colección nacional y en esta magnitud, agregó.

Una quinta parte de la colección del museo ya está disponible para ser vista en el edificio de cuatro plantas, ubicado en el sitio originalmente destinado a los Juegos Olímpicos de Londres 2012.

La jubilada Jane Bailey, ex profesora de física y asidua a los museos, quedó fascinada al ver la batería negra y roja que perteneció a Keith Moon, miembro de la banda The Who, explicó la curadora principal.

Compiten por espacio en este almacén, extendido por más de 30 canchas de baloncesto, estanterías llenas de cerámicas, tapices, pinturas y juguetes del periodo Tudor.

Entre las exhibiciones también se encuentra el impresionante telón escénico diseñado para Le Train Bleu, una copia de un cuadro de Pablo Picasso creado especialmente para la producción de Ballets Rusos de 1924.

Una de las primeras visitantes del Storehouse fue la princesa Kate Middleton, patrona del V&A y entusiasta amante del arte, quien esta semana realizó una visita guiada.

La princesa de Gales describió la colección como ecléctica mientras utilizaba el sistema solicite un objeto para examinar un catálogo de muestras del reconocido diseñador textil inglés del siglo XIX William Morris, además de rollos de textiles ornamentados e instrumentos musicales.

Todas las piezas están disponibles para el público los siete días de la semana y pueden reservarse a través de un sistema en línea para una consulta privada en la fecha y hora de su preferencia.

El personal del museo está presente para supervisar mientras los visitantes, usando guantes morados, sacian su curiosidad y pasan tiempo con los objetos elegidos.

▲ Art Basel se inauguró ayer en Basilea, Suiza. Se trata de una de las ferias más importantes del arte moderno y contemporáneo, la cual reúne el trabajo de alrededor de 4 mil artistas y más de 280 galerías de los cinco continentes. En la imagen, la obra Choir, montada afuera del recinto ferial de Basilea por la pintora alemana Katharina Grosse, con la que busca retar los conceptos tradicionales al hacer de la arquitectura contemporánea un lienzo a gran escala.Foto Afp

Periódico La JornadaMiércoles 18 de junio de 2025, p. 4