Angela Peralta è stata usata come strumento di civilizzazione, afferma l'esperto

▲ Ángela Peralta nei panni di Lucía de Lammermoor, ritratta da Giovanni Battista Ganzini, circa 1865. Stampe all'albumina. Collezione privata. L'immagine fa parte dell'articolo "Green, White, and Red: Portraits of Ángela Peralta during the Second Mexican Empire" di Gustavo Amézaga; in seguito, la copertina della colonna sonora "Adiós a México", parte dell'album musicale del 1938, per gentile concessione di Cenidim.

Alondra Flores Soto

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, pag. 2

Ángela Peralta (1845-1883) fu utilizzata in ambito politico nel XIX secolo per dimostrare all'Europa e al mondo che la giovane nazione che era il Messico aveva un carattere civile, afferma la storica Áurea Maya, che del Centro nazionale per la ricerca, la documentazione e l'informazione musicale (Cenidim), un'agenzia del Ministero federale della cultura, partecipa all'ampliamento delle conoscenze documentate su questa straordinaria cantante, pianista e compositrice.

La musicologa di origine russa Elena Kopylova sta lavorando per salvare l' Album musicale, pubblicato nel 1875, che aiuterà a integrare i brani raramente eseguiti, scritti da Peralta nel XIX secolo, nel repertorio concertistico del nostro Paese.

A 180 anni dalla nascita della donna dalla voce prodigiosa, persistono miti, false informazioni e scarsa considerazione, oltre al fatto che la musica da lei composta per pianoforte è sconosciuta. Per commemorare questa figura, si terrà un omaggio intitolato "L'usignolo del Messico: Ángela Peralta e la sua musica", con un concerto che riproporrà la musica da lei composta e una conferenza tenuta da specialisti che discuteranno informazioni rivelatrici. Entrambe le attività, a ingresso gratuito, si terranno oggi alle 18:00 presso l'Auditorium José Vasconcelos del Centro Nazionale per le Arti (Cenart).

"Quando ho iniziato a studiare Ángela Peralta, mi sono imbattuta in molte sorprese", afferma Áurea Maya, che sta attualmente lavorando a un libro che sarà pubblicato nei prossimi mesi. "È forse una delle figure più toccate dalla storia e dalla musicologia. Non solo nel XIX e XX secolo, ma anche nel XXI, perché le vengono ancora rivolte molte accuse ".

Esaminando archivi e documenti, ad esempio, ha scoperto che non era una serva, come molti sostengono. Ci sono storici che non si sono mai preoccupati di corroborarlo. Certo, è stata oggetto di leggende, miti, romanzi storici e opere teatrali che la esaltano, ma anche di tratti negativi della sua personalità .

A Polanco, un teatro all'aperto porta il suo nome. Lo stesso vale per San Miguel de Allende, Guanajuato. Anche a Mazatlán, Sinaloa, il nome della cantante identifica il teatro principale della città. Nota come l'Usignolo Messicano , fu una figura di fama internazionale, la prima cantante messicana a esibirsi al Teatro alla Scala di Milano, il principale teatro d'Europa. Sebbene vi siano scarse documentazioni al riguardo, lo storico si chiede quanti professionisti del belcanto possano vantare tale riconoscimento.

Ángela Peralta nacque a Città del Messico il 6 luglio 1845. Giovanissima, ebbe successo e si trasferì in Europa. Ritornò durante il periodo in cui Massimiliano era in Messico, che la nominò cantante da camera dell'impero . Fu proprio a Mazatlán che morì, all'età di 38 anni, di febbre gialla, il 30 agosto 1883. Quell'epidemia sterminò il 17% della popolazione, dice Maya, quindi Peralta divenne un simbolo di lutto dopo una tale tragedia. Uno dei miti che la accompagna è che, al momento del suo ultimo respiro, sposò Julián Montiel Duarte, che molti dicono fosse il suo amante.

Elena Kopylova, ricercatrice presso il Cenidim, sta attualmente lavorando a una lettura approfondita dell'Album Musicale, che contiene le partiture dei suoi brani, principalmente per voce e pianoforte. Include valzer, polke, romanze, fantasie e persino uno studio, un brano molto contemporaneo all'epoca, di cui Fryderyk Chopin era uno dei più importanti rappresentanti.

Nell'intervista con i due studiosi di musica e con il direttore del Cenidim Víctor Barrera, vengono mostrate stampe di alcune pagine di questa raccolta di brani, con una calligrafia illeggibile, difficile da decifrare per i musicisti. La copertina presenta un ritratto del compositore, le cui opere per pianoforte vengono raramente eseguite nelle sale da concerto.

Questo progetto mira a integrare i temi di Peralta nella formazione dei giovani musicisti, ad esempio presso la Scuola Superiore di Musica, situata a pochi passi dagli uffici del centro di ricerca, in cima alla torre viola del complesso culturale.

A questo proposito, Barrera ha sottolineato che il lavoro del Cenidim nello studio e nella diffusione della musica messicana ricerca approcci interdisciplinari. Il rapporto con le scuole e la formazione di nuovi musicisti sono di fondamentale importanza per questa istituzione.

Alcuni di questi studenti hanno accettato con entusiasmo di partecipare al concerto di questo pomeriggio. Pur avendo poco tempo per prepararsi e affrontando gli esami finali, hanno accettato una sfida che richiedeva grande disciplina e impegno, scegliendo anche alcuni dei brani più difficili, spiega Kopylova.

Aurea Maya, storica dell'arte e musicologa, ha raccontato che l'opera nel XIX secolo ha avuto un ciclo complicato ma molto interessante in Messico, perché nel paese nascente, i politici dell'epoca, soprattutto Lucas Alamán, hanno assunto quest'arte del canto come strumento civilizzatore per dimostrare agli occhi dell'Europa che eravamo una nazione avanzata.

Quando ho iniziato ad esplorare la figura di Ángela Peralta, mi sono resa conto che lei era inserita in tutto questo contesto e, naturalmente, fungeva da strumento civilizzatrice. L'autrice del libro "Opera y gastos secretos" (Opera e spese segrete) ha sottolineato che non solo aveva una voce privilegiata, ma era anche molto intelligente, con un certo senso degli affari. Seguiva i canoni del XIX secolo, con i canoni di una giovane donna perfetta, ma allo stesso tempo era una donna con una grande visione del mondo, forse instillatale da suo padre e in seguito dai suoi insegnanti .

La conferenza sull'importante cantante messicana vedrà la partecipazione delle ricercatrici Elena Kopylova, Áurea Maya e Zuly Amir López Ríos, moderata dal direttore del Cenidim Víctor Barrera. I pianisti Isis González, Maximiliano Rosas ed Elías Morales, così come i soprani Patricia Mastachi e Isamar Reyes, daranno vita a queste partiture dopo un attento processo di trascrizione e analisi.

▲ Giganti, Sbirciando la città, L'Avana, Cuba, 2019. Foto di Néstor Kim / per gentile concessione dell'artista e della galleria

Alejandra Ortiz Castañares

Speciale per La Jornada

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, pag. 3

San Gimignano. Fondata nel 1990 in un garage con soli 500 euro a San Gimignano, nella campagna toscana, la galleria Continua è uno degli spazi più innovativi per l'arte contemporanea internazionale. Fondata da tre amici d'infanzia – Lorenzo Fiaschi, Mario Cristiani e Maurizio Rigillo – senza fondi né contatti nel mondo dell'arte, la galleria ha sfidato fin dall'inizio le convenzioni del settore. Attualmente ha otto sedi in tre continenti.

Per celebrare i loro 10 anni di presenza a Cuba, hanno organizzato la mostra The Ability to Dream (17 maggio-9 luglio), che presenta 40 artisti cubani.

"Siamo sempre partiti dalla passione per l'arte ", racconta Fiaschi dall'Avana, dove vive. Hanno lavorato senza stipendio per 10 anni, e la svolta è arrivata nel 2000 con una mostra dell'artista Chen Zhen, quando persino il collezionista François Pinault ha acquisito le sue opere. Ci ha instillato il valore della diversità come principio e dell'arte come ponte tra le culture .

Questo approccio anticolonialista ha guidato l'espansione internazionale della galleria, che ha deliberatamente scelto contesti periferici: un vecchio cinema a San Gimignano (la sua sede storica), un mulino a vento medievale nella campagna a un'ora da Parigi e, dal 2015, un ex cinema nella Chinatown dell'Avana.

L'avventura dell'isola

Durante la Biennale di Marrakech, Lorenzo Fiaschi e la curatrice cubana Laura Salas assistettero alla performance di Michelangelo Pistoletto, "Tercer paraíso" : un simbolo simile all'infinito, ma con tre cerchi, di cui quello centrale rappresenta la possibilità di armonia tra gli opposti. Colpito dalla potenza poetica dell'opera, Salas propose di ricrearla in mare, tra L'Avana e Miami, come gesto di riconciliazione in un contesto segnato dall'embargo. In un'azione spontanea e non ufficiale, centinaia di pescatori cubani formarono questo simbolo con le loro barche. Il giorno seguente, il 17 dicembre 2014, Barack Obama e Raúl Castro, presidenti degli Stati Uniti e di Cuba, in quest'ordine, annunciarono lo storico ristabilimento delle relazioni tra le loro nazioni. Questo segno potente e profetico ispirò i fondatori della galleria Continua a stabilire una sede all'Avana, scegliendo, con l'aiuto del direttore della Biennale Jorge Fernández, un vecchio cinema fatiscente di Chinatown, che restaurarono, portando persino il tetto dall'Italia.

Pionieri in un contesto complesso

Continua è stata la prima galleria privata e straniera ad aprirsi a Cuba, operando come centro culturale. Ora c'è un disegno di legge per legalizzare l'apertura di gallerie private , spiega Fiaschi. La sua unicità sull'isola ha attratto artisti e collezionisti internazionali: "Il Financial Times ci ha dedicato un'intera pagina. I nostri colleghi non potevano crederci!", dice.

Artisti come Michelangelo Pistoletto, Anish Kapoor e Daniel Buren, abituali di Parigi e New York, tra le altre città, hanno scelto di esporre all'Avana, offrendo al pubblico locale incontri inediti con l'arte globale. Le loro mostre, nel novembre 2016, hanno coinciso con la morte di Fidel Castro: la mostra di Pistoletto si è svolta come previsto, prima della diffusione della notizia, mentre quella di Kapoor, prevista per il giorno successivo, è stata ufficialmente annullata a causa del lutto nazionale, ma si è svolta a luci spente, con i visitatori che hanno illuminato le opere con le torce dei loro cellulari.

Promozione

Continua ha svolto un ruolo decisivo nella visibilità internazionale di numerosi artisti cubani, promuovendoli in fiere ed esposizioni in Europa e Asia. Un esempio emblematico è Yoan Capote, la cui opera monumentale è stata selezionata per Art Unlimited ad Art Basel tra oltre mille proposte e successivamente acquisita da un importante museo.

Questo impegno non ha solo migliorato la visibilità degli artisti dell'isola, ma anche le loro condizioni di vita: li abbiamo visti passare dal vivere e lavorare in stanze di quattro metri per quattro ad avere spazi dignitosi in cui vivere e creare liberamente .

I collezionisti internazionali sono attratti dall'originalità e dalla potenza espressiva dell'arte cubana, ancor prima di conoscerne la provenienza. Secondo Fiaschi, l'arte cubana colpisce perché non è facilmente classificabile: non risponde a un'estetica uniforme o folcloristica, ma è profondamente eterogenea e individuale, con identità forti e stili fortemente personali.

Il contesto di isolamento geopolitico ha spinto molti artisti cubani a sviluppare soluzioni creative con risorse limitate, dando vita a opere ricche di ingegno e profondità simbolica. Questa combinazione di scarsità materiale e ricchezza concettuale affascina un pubblico che riconosce in queste opere una vocazione autenticamente universale.

Censura e libertà di espressione

Riguardo all'artista dissidente Tania Bruguera, Fiaschi riconosce l'importanza della libertà di espressione, ma ne critica l'approccio. Si riferisce alla sua richiesta di eseguire "Il sussurro di Tatlin" in Plaza de la Revolución, invitando i cubani a parlare liberamente attraverso un microfono aperto – un'azione che aveva eseguito anni prima alla Biennale dell'Avana. In quell'occasione le fu offerto un luogo diverso, ma lei insistette, il che portò alla sua condanna agli arresti domiciliari.

Lo stesso gesto compiuto in piazza San Pietro in Italia, in cui si esprimeva contro il Papa, avrebbe avuto anche conseguenze legali , osserva Fiaschi, che definisce l'azione provocatoria e intempestiva , soprattutto in un momento in cui Cuba e gli Stati Uniti stavano avviando un processo di dialogo.

Visione globale e apertura

L'approccio della Galleria Continua si basa su una visione a lungo termine e un'apertura alla diversità culturale. "Abbiamo iniziato a lavorare in India, Medio Oriente e Cina 20 anni fa – siamo stati la prima galleria straniera in Cina – quando tutti si chiedevano cosa stessimo facendo lì". Tutto sembrava distante e difficile da comprendere, ma stimolante: erano spezie culturali per condire il nostro piatto eccessivamente eurocentrico .

Il loro obiettivo: fondere mondi diversi. Nel tempo, questi viaggi hanno arricchito la loro evoluzione. La stessa visione li ha spinti a investire nella fiera di Dubai, anticipando dinamiche che si riflettono oggi nell'organizzazione di Art Basel a Doha, recentemente annunciata.

Cuba è un grande paese culturale , conclude Fiaschi, con artisti, scrittori e musicisti di fama mondiale. L'embargo, in vigore da 63 anni, è una delle sanzioni economiche più durature della storia moderna. La maggior parte dei cubani di oggi non era nemmeno nata durante la rivoluzione. Questo blocco non rappresenta solo un problema pratico, ma impedisce anche una chiara valutazione delle reali capacità del governo. La paura della superpotenza statunitense genera decisioni irrazionali. La paura non favorisce la chiarezza. Ripristinare la pace a Cuba significherebbe anche restituire la libertà e una boccata d'aria fresca .

▲ Immagine tratta dalla terza edizione di Manifiesta, nel 2023. Foto per gentile concessione di Eloy Tarcisio

Buoni Macmaster

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, p. 4

Plaza de la Constitución sarà la cornice della quarta edizione di Manifiesta, un evento artistico performativo che si terrà oggi nel contesto del 700° anniversario della fondazione di Mexico-Tenochtitlán, ma non come evento tematico. Un totale di 50 progetti, tra cui video mapping, ricevuti tramite un bando , saranno presentati dalle 11:00 alle 18:00.

L'iniziativa nacque nel 1993 come manifesto concettuale per la mostra inaugurale dell'allora denominato Ex Teresa Arte Alternativo, che presentava opere di Helen Escobedo, Felipe Ehrenberg e Marcos Kurtycz. Fu ripetuta nel 1997 con la partecipazione di 37 artisti, questa volta utilizzando una metodologia di lavoro in cui lasciamo lo spazio per occupare l'esterno , afferma Eloy Tarcisio (Città del Messico, 1954), che fu direttore della sede annessa all'Istituto Nazionale di Belle Arti e Letteratura dal 1993 al 1995 e dal 1996 al 1998. Per lui, l'arte non dovrebbe essere solo per il pubblico specializzato che va a cercarla, ma piuttosto dovremmo confrontare l'artista con il grande pubblico .

Nel 2023, Manifiesta III ha riunito 70 artisti di diverse discipline per un evento in Calle Primo Verdad, dove si trova il museo. "L'esperienza dei 30 anni dalla fondazione di Ex Teresa – ora Ex Teresa Arte Actual – e l'aver organizzato un festival in strada, di fronte allo spazio, mi hanno offerto una visione diversa dell'esercizio artistico, in cui gli artisti lavoravano contemporaneamente, in un momento specifico, diventando così spettatori delle proprie opere. Non si trattava più solo di avere un impatto sul pubblico esterno all'arte, ma anche di impegnarsi in un esercizio di auto-esperienza", ha dichiarato Eloy Tarcisio a La Jornada.

Si rese conto della necessità di uno spazio che esprimesse l'opinione dell'artista al di fuori del white cube, il contesto artistico tradizionale racchiuso in musei e fiere, e che si concentrasse maggiormente su un pubblico con una prospettiva commerciale . La preoccupazione di alcuni artisti riguardo a cosa sarebbe successo con Manifiesta spinse Tarcisio a lanciare una quarta edizione. Inoltre, il 700° anniversario della fondazione di Tenochtitlan ci offrì l'opportunità di avere la cornice di un altro tipo di esperienza estetica .

–Perché nello Zócalo?

– Perché sono presenti i quattro rami della Federazione e della Chiesa, e il numero di persone che vi transita è impressionante. Il fatto che gli artisti lavorino contemporaneamente nello stesso luogo significa che gli spettatori possono circolare liberamente e vivere un'esperienza estetica in modo fortuito.

Le preoccupazioni degli artisti partecipanti spaziano dalla violenza, all'etica, alla guerra e alle questioni ambientali, rendendo Manifiesta uno spazio per voci multiple ed esperienze estetiche all'interno di un contesto di laboratorio . Manifiesta, quindi, nasce come un grido e una celebrazione di ciò che sta accadendo nel nostro ambiente .

Nessun progetto presentato ha dovuto passare attraverso una giuria o un comitato curatoriale, perché tutti sono stati accettati in base ai criteri di chiunque si definisca artista, e ciò che crea come opera d'arte diventa proprio tale. In altre parole, non c'è alcuna intenzione di legittimazione. Lo spazio non è uno spazio che legittima, ma piuttosto uno spazio aperto in cui l'artista legittima il proprio lavoro. Se è buono, verrà notato; se è cattivo, verrà notato anche. Se è coerente e ha un impatto sul pubblico, verrà notato. Altrimenti, si stabilizzerà da solo e si separerà dal contesto del suo lavoro .

–Qual è il futuro di Manifiesta?

– È diventato un manifesto di lavoro orizzontale che gli artisti dovranno impegnarsi a mantenere. Non è uno spazio che intendo mantenere, ma piuttosto uno che si apre alle voci dei creatori con l'obiettivo di uscire dal cubo bianco, di creare opere per spettatori non convenzionali, anche nell'uso di spazi non progettati per l'arte.

Per Eloy Tarcisio, la performance è una filosofia d'azione, un esercizio di contatto diretto, volto a far evolvere la riflessione sulla vita quotidiana attorno ai problemi umani . Inoltre, l'artista ha l'obbligo di confrontarsi con il suo soggetto e di parlare oltre le pratiche convenzionali come gallerie, fiere e mercato dell'arte .

Ricordate che la performance è una questione di etica e responsabilità. L'artista deve essere consapevole di essere un opinion leader e che qualsiasi cosa dica o faccia avrà un impatto sul pubblico. Se non è consapevole di ciò che le sue azioni potrebbero provocare, il risultato potrebbe essere inappropriato .

▲ Il lavoro del coreografo César Brodermann debutta questo fine settimana al Teatro de la Ciudad. Foto per gentile concessione della produzione.

Fabiola Palapa Quijas

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, p. 4

Return, opera del coreografo e regista della compagnia Aterno, César Brodermann, "è un viaggio di scoperta di sé e di riflessione su ciò che conta veramente nella vita. Uno spazio sicuro dove il gioco diventa uno strumento per la ricerca di libertà e creatività".

Attraverso il movimento si raggiunge una connessione con l'essenza dell'infanzia , ha spiegato in un'intervista il creatore, che presenta il suo spettacolo in anteprima oggi e domani all'Esperanza Iris City Theater.

In Regreso, Brodermann parte da una domanda semplice ma profonda: quando è stata l'ultima volta che hai giocato senza ragione, senza paura, senza un obiettivo? Questa domanda diventa un espediente scenico capace di coinvolgere un pubblico di tutte le età.

La produzione è stata realizzata in cinque mesi di laboratori aperti, prove collaborative e processi in cui ogni membro del team ha avuto voce. Alla fine, Brodermann presenta al pubblico un'opera dal vivo che sarà diversa a ogni esibizione.

"Regreso nasce dall'esigenza di ricordare cosa mi fa sentire vivo e cosa provo quando ballo. Il gioco mi dà l'opportunità di esplorare liberamente chi sono, chi voglio essere e come voglio diventare", ha commentato il coreografo, che ha coinvolto nove ballerini e tre apprendisti nel processo creativo.

“Come parte del progetto, analizziamo il gioco e l'infanzia, dove tutto ciò che facciamo è intuitivo e non analitico, perché quando inizi a crescere dici: 'Non posso fare questo o devo comportarmi in questo modo', ma quando sei piccolo, se vuoi indossare una maglietta gigante, la metti, e se vuoi correre per strada, lo fai.

"Ho quindi deciso di iniziare a chiedermi perché il gioco sia necessario nella nostra vita quotidiana, sia da bambini che da adulti, e come possiamo tornare a queste idee perché durante l'infanzia siamo molto fantasiosi, abbiamo molta immaginazione" , ha aggiunto.

L'artista cerca di connettersi con l'opera e di liberare il pubblico. "Mi interessa che le persone evochino la libertà, si sentano vive e scoprano modi per raggiungerla" , ha detto il creatore.

Il gioco acquista senso nella proposta coreografica e offre al corpo la possibilità di essere un percorso verso la memoria, raggiungendo così una connessione con la libertà dimenticata dal tempo.

Dopo un decennio di trasformazione artistica e aver vissuto in luoghi diversi, come New York e Tel Aviv, Regreso rappresenta per il coreografo anche un ritorno alla sua terra natale, la sua patria; è un omaggio ai suoi primi anni, alla terra che ha visto i suoi primi passi e che lo ha spinto a tornare a fondare la sua compagnia, spinta dal suo eterno amore per la danza.

Brodermann è un artista multidisciplinare, danzatore contemporaneo, fotografo, direttore artistico e fondatore di Aterno. Il suo lavoro è caratterizzato da un approccio profondamente emotivo e fisico, in cui il corpo cessa di essere un archivio di ricordi ed emozioni e diventa il veicolo perfetto per la comunicazione attraverso il movimento.

L'opera teatrale Regreso, che ha ricevuto l'incentivo fiscale ai sensi dell'articolo 190 della LISR (Efiartes), debutterà oggi e domani rispettivamente alle 19:00 e alle 18:00 presso l'Esperanza Iris City Theater (Donceles 36, Centro Storico); l'11 e il 12 luglio sarà presentata gratuitamente alle 17:00 nella Sala Elisa Carrillo del Centro Culturale Bicentenario Mexiquense; e il 20 e 21 novembre alle 20:00 e il 22 e 23 alle 19:00 e alle 18:00, in quest'ordine, presso il Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nazionale per le Arti.

▲ La trama presenta un nuovo modo di entrare in contatto con la tecnologia , ha spiegato Óscar Tapia, sceneggiatore e regista. Foto per gentile concessione della produzione.

Daniel López Aguilar

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, pag. 5

In Figaro e l'androide, l'opera viene rivisitata come un'avventura fantascientifica; verrà presentata oggi e domani al Teatro de las Artes del Centro Nazionale per le Arti (Cenart).

La proposta mira ad avvicinare il genere lirico a nuovi pubblici attraverso l'umorismo, la fantasia e le riflessioni sul rapporto tra gli esseri umani e le loro creazioni.

Il famoso barbiere Figaro torna sulla scena, ma ora il suo percorso lo conduce verso un possibile futuro . Insieme al Dottor Alchimista, risponde a una richiesta d'aiuto proveniente dalla Luna: Kira, l'ultima donna libera, chiede aiuto per affrontare Olympia, l'androide che governa la Terra. Quando riescono a disattivare la macchina, scoprono che senza di essa il mondo crollerebbe.

La trama presenta un nuovo modo di relazionarsi con la tecnologia e mette in luce la nostra dipendenza da ciò che creiamo , ha spiegato Óscar Tapia, sceneggiatore e regista, in un'intervista a La Jornada.

Nel racconto la fantascienza dialoga con l'opera classica attraverso frammenti di Mozart, Rossini, Dvorak e altri compositori.

La Filarmonica di Atizapán, composta da giovani musicisti sotto la direzione di Édgar Rainier Palacios, esegue brani come l'ouverture di Così fan tutte, il Duetto del gatto e l' Aria della luna, cantata da Kira dalla sua prospettiva terrestre.

Olympia propone una versione rinnovata dell'Aria della bambola di Offenbach, riflesso della sua condizione tra l'umano e il meccanico.

Tapia ha sottolineato il carattere collettivo della produzione, che si nutre del contributo del cast: Amed Liévanos e Alberto Albarrán interpretano Figaro; Luis Rodarte e Alexander Soto interpretano il Dottor Alchimista; Rosalía Ramos e María Anaya interpretano Olympia; Tania Solís e Angélica Alejandre interpretano Kira; Linda Saldaña, Penélope Lázaro e Rosa Muñoz interpretano Ipazia di Alessandria; ed Enrique Guzmán e Ricardo Estrada interpretano Lindoro.

Per prima cosa abbiamo rivisto e migliorato la sceneggiatura; poi Gabriel Ancira ha disegnato i costumi e le scenografie; infine, abbiamo provato per integrare musica, scenografie e narrazione , ha spiegato il regista.

La storia si lascia alle spalle gli intrighi di corte per costruire una narrazione che interroga il futuro. Ipazia di Alessandria, scienziata e direttrice della leggendaria biblioteca, gioca un ruolo chiave: nella pièce, dona un corpo a Olimpia nella speranza di aiutare l'umanità, ma finisce per affrontare la frustrazione di vederla tradire i propri ideali.

Come nella fantascienza classica, la messa in scena si interroga su cosa costruiamo, con quale intenzione e a quale costo , ha sottolineato Tapia.

Il progetto mira anche a colmare il divario tra il pubblico e l'opera. Presentato in spagnolo e in un formato che ricorda il cinema o la televisione, combina recitazione dal vivo e canto per favorire un legame diretto.

Vogliamo condividere con i bambini e gli adulti gli aspetti più belli dell'opera , ha aggiunto il regista, che ha osservato che i brani musicali sono una parte essenziale della storia.

Solleva anche domande che ci costringono a guardare dentro di noi: cosa succede quando ciò che inventiamo diventa indispensabile? Controlliamo la tecnologia o finisce per dominarci?

Vogliamo affascinare con l'opera classica e, allo stesso tempo, mettere il pubblico a confronto con le implicazioni di ciò che abbiamo costruito , ha concluso Óscar Tapia.

L'opera "Figaro e l'androide", una produzione di Arándano AC, offrirà quattro repliche oggi e domani alle 12:00 e alle 14:30 al Teatro de las Artes Cenart (Río Churubusco 79, quartiere Country Club Churubusco). I biglietti costano 150 pesos.

Dalla redazione

La Jornada, sabato 5 luglio 2025, pag. 5

Esplorare il tempo, creare con le ombre e modellare la meraviglia. Quest'estate, il Museo d'Arte Moderna (MAM) e il Museo Universitario d'Arte Contemporanea (MUAC) offriranno due laboratori per bambini dai 6 ai 12 anni per esplorare l'arte attraverso curiosità, immaginazione e memoria. Le attività si svolgeranno dal 21 luglio all'8 agosto.

Moderns in Action: A Journey Through Time vi invita a esplorare la modernità attraverso opere iconiche, sculture e arte concettuale, mentre PLAY: The Playful Box of Expanded Theater and Cinema propone un viaggio sensoriale con immagini, ombre e performance ispirate al mito della caverna di Platone.

Entrambe le iniziative mirano a rendere il museo uno spazio vivo dove i bambini possono inventare, interrogarsi e scoprire. Tra giochi, gite e picnic, l'immaginazione prende forma.

Il MAM offre un programma suddiviso in tre settimane tematiche. La prima esplora la modernità con una mostra che include opere come " Le due Frida" di Kahlo e opere del Dottor Atl e di Remedios Varo. I bambini realizzeranno opere ispirate a queste tecniche.

La seconda settimana è dedicata alla scultura: i partecipanti visiteranno lo Sculpture Garden e la mostra Drifts of Sculptural Form, per poi modellare le loro opere.

Il terzo si concentra sull'arte astratta e concettuale. I bambini realizzeranno opere di arte visiva, fotografie e mail art da condividere con il Museo Nazionale di San Carlos.

Ogni giorno sono previste visite guidate, attività interdisciplinari e gioco libero. È prevista una pausa pranzo e un pasto condiviso a mezzogiorno; il mercoledì ci sono sorprese come spettacoli circensi o visite guidate teatralizzate.

"Iniziamo con esposizioni vivaci, e questo trasforma l'esperienza ", ha affermato Adela González, responsabile del dipartimento di Educazione e Mediazione del MAM (Paseo de la Reforma, Foresta di Chapultepec). Le attività si svolgeranno dal lunedì al venerdì, dalle 10:00 alle 14:00, con una capienza di 60 bambini. Per ulteriori informazioni, si prega di contattare [email protected] .

Dal 4 al 22 agosto, il MUAC presenta PLAY…, progetto di Estudio Nómade. La creazione si interseca con la sperimentazione: macchine fotografiche lucida, flipbook, crankie book, maschere e set di acetato danno forma a un laboratorio-laboratorio.

Il programma inizia con attività e una visita a Cuicuilco. I bambini sperimenteranno poi il teatro delle ombre e le maschere, esplorando lo Spazio Sculture e il Giardino Sculture. Il laboratorio si concluderà con le prove e la presentazione dello spettacolo finale alle famiglie.

Le sessioni si terranno dal lunedì al venerdì, dalle 10:00 alle 14:00, presso il MUAC Agora (CCU, Insurgentes Sur 3000). Per ulteriori informazioni, si prega di inviare un'e-mail a [email protected] .