Carla Rippey, een jager op betekenis in een wereld die gebombardeerd wordt door beelden

▲ Kunstenaar Carla Rippey presenteert haar tentoonstelling *The Intercepted Image * in het Museo Universitario del Chopo. Foto: Marco Peláez.

Vrolijke MacMasters

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 3

Als beeldend kunstenaar herkent Carla Rippey in haar manier van werken de invloed van een bepaald boek, The Family of Man , waar ze als kind naar keek en waarin afbeeldingen naast elkaar worden geplaatst en vergezeld gaan van een literaire tekst om het geheel een andere betekenis te geven .

Op een gegeven moment vond Rippey dat exemplaar van het boek uit zijn ouderlijk huis in Kansas City. Het is nu te zien in The Intercepted Image, een tentoonstelling van zijn meest recente werk, die vandaag van start gaat in het Museo Universitario del Chopo.

De 120 tentoongestelde werken omvatten grafiet- en kleurentekeningen, prenten, bewerkte foto's, collages , kunstenaarsboeken, dia's, sculpturen en keramiek.

De kunstenaar had sinds 2016 niet meer in Mexico-Stad geëxposeerd, toen het Carrillo Gil Art Museum de retrospectieve Resguardo y resistencia organiseerde, met werk uit vier decennia, beginnend in 1976.

Als dochter van een fotojournalist en een moeder die zich wijdde aan literatuur, groeide Rippey op met een passie voor beeld. Ze verbindt haar eigen interesse met wat ze in de buitenwereld zag, en met boeken en tijdschriften: "Het gedrukte beeld staat in de traditie van collages en plakboeken. Er zijn kunstenaars die niet zozeer uit de academische wereld komen, maar uit de traditie van interactie met de gedrukte wereld. Tegenwoordig zou dat ook de virtuele wereld zijn. En van daaruit bedenken ze hun beelden."

Recycling van werken

Rippey arriveerde in 1973 in Mexico na studies in Parijs en New York en metaalgraveren aan een aantal universitaire workshops in Chili: "Ik begon eind jaren zeventig en tachtig met tekenen en afdrukken maken op basis van foto's. Het was het tijdperk van het neofigurativisme. Mensen zeiden dat ik foto's kopieerde. Toen kwam de kunst van toe-eigening (het gebruik van reeds bestaande objecten of afbeeldingen), ontwikkeld door kunstenaars zoals de Amerikaanse schilder David Salle ."

Recyclingwerk "werd in de jaren tachtig veel gedaan in ontwikkelingslanden . Plotseling bleek dat wat ik intuïtief deed, toen het niet goed werd ontvangen, postmodernisme was. Het bestond vaak uit het becommentariëren van de foto's. Zo werkte ik in de jaren tachtig veel met erotische fotografie, hoewel het meestal een soort kritiek op het beeld was, of op wat de vrouw veranderde en identificeerde. Kunstcriticus Oliver Debroise zei dat ik ze perverteerde. In feite plaatste ik de foto in een andere positie dan de oorspronkelijke bedoeling was. Op die manier gaf ik hem andere lagen van betekenis en intentie."

Grafisch ontwerp paste goed bij haar omdat het meer procedureel was; bovendien, "omdat ik slechts een paar maanden naar de kunstacademie ging om grafische kunst te leren, had ik geen opleiding tot schilder. Ik kon collages blijven maken of tekenen zoals ik mijn hele leven had gedaan." Ze deed grafische kunst in de collectieve werkplaats Molino de Santo Domingo. In het begin werkte ik lange tijd niet met figuren, maar met bloemen en planten, omdat ik niet wist waar ik naartoe wilde . Toen ik haar pad ontdekte, begon ik vrouwen uit complexe culturen na te bootsen, zoals de inheemse vrouwen die als dienstmeisje in Mexico-Stad werken .

Hij vervolgt: In het begin nam ik planten, zette ze op de graveerplaat en maakte er een ontwerp mee of bedacht iets uit mijn hoofd, zonder fotografische afbeelding. Toen besefte ik dat ik het bevredigender vond om ze te baseren op een afbeelding die ik had gevonden. Zo begon ik archieven aan te leggen. Veel waren als oude fotoalbums of Victoriaanse erotische prentenboeken. Ik haalde overal vandaan wat me aansprak .

Integratie van digitaal

Met de uitvinding van de laserkopieermachine kon ik mijn afbeeldingen veel verder uitbreiden in kunstenaarsboeken, ondersteund door transfers. Rond 2000 begon ik met een computer te werken; zelfs alles wat ik nu doe, gaat via Photoshop om te kaderen, kleuren te beheren of de juiste afbeeldingen te krijgen voor de kopieermachine of voor wat ik ga tekenen. In datzelfde jaar begon ik ook afbeeldingen van internet te downloaden. Zo vond ik het werk dat ik tentoonstel, röntgenfoto's van door raketten vernietigde handen .

Toe-eigening is niet nieuw in de kunst; voor Rippey is echter het gemak van reproductie veranderd. Sterker nog, veel jonge kunstenaars nemen niet de moeite om te tekenen, omdat het makkelijker is om met afbeeldingen om te gaan. Er zijn wetten voor fair use, waarbij het toegestaan is om afbeeldingen van anderen te gebruiken als de betekenis verandert. Je kunt het integreren in je eigen concept of als onderdeel van een andere afbeelding. Over het algemeen is het niet langer strafbaar .

De exposant probeert altijd te vermelden waar ze haar foto's heeft gemaakt. Zo probeerde ze in haar werk over door de oorlog verwoeste huizen de naam van de fotograaf te vermelden. Soms heb ik met hen kunnen communiceren. Nelson Morales liet me een van zijn foto's gebruiken. Ik heb enorm veel respect voor fotografen en hun werk .

In een wereld die verzadigd is met beelden, zorgt Rippey er op een bepaalde manier voor dat het bombardement samenhangend wordt .

Volgens Tania Ragasol, curator van de tentoonstelling, was Carla verbonden aan de wereld van grafische kunst en tekenen; ze maakt echter ook beeldhouwkunst, keramiek en installatiewerk. Haar werk is altijd gebaseerd op diepgaand onderzoek en reflectie, zowel op persoonlijk als op mondiaal niveau .

Carla Rippey : The Intercepted Image gaat vandaag om 12.00 uur in première en er is een discussie om 13.00 uur in het Museo Universitario del Chopo, gevestigd aan Dr. Enrique González Martínez 10, in de wijk Santa María la Ribera. De toegang is gratis.

▲ Van links naar rechts: Stefanie Weiss, Julieta Egurrola, Luis en Marina de Tavira, en Gabriel Pascual, tijdens de presentatie. Foto: Roberto García Ortiz

Daniel López Aguilar

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 4

Luis de Tavira had maar één zin nodig om de geest van zijn boek en van een leven gewijd aan de podiumkunsten samen te vatten: Ik heb lief, maar ik wil nog meer liefhebben .

Te midden van lof, herinneringen en een zaal vol genegenheid presenteerde hij gisteravond in het El Milagro Theater de nieuwe editie van The Invisible Spectacle : Paradoxes on the Art of Acting, een bundel met aforismen uitgegeven door Ediciones El Milagro.

De regisseur, essayist en docent, wiens carrière generaties in het Mexicaanse theater omspant, sprak op een kalme en intieme toon. Hij verklaarde dat zijn grootste voorrecht was om toeschouwer te zijn.

"Ik heb mijn hele leven verbaasd gestaan over de manier waarop acteurs een artistieke realiteit creëren... in de kunst zijn er maar twee echte dingen: de kunstenaar en het werk." Bij het acteren, voegde hij eraan toe, smelten die twee samen: de actrice is het werk, en het personage maakt haar tot de actrice .

Voor een druk publiek van jongeren en volwassenen, ondanks de regen die sinds de middag niet was gestopt, legde de auteur uit dat deze publicatie geen simpele herdruk is. "Dit exemplaar is ook van degenen die het mogelijk hebben gemaakt: Julieta Egurrola, Marina de Tavira en Stefanie Weiss, die vanavond aanwezig zijn. We hebben het samen geschreven. Het is gemaakt door de acteurs met wie ik heb gewerkt."

Dat is uiteindelijk wat theater is: ontmoeting. Samenkomen hier en nu, in deze gemeenschap die samen blijft dromen.

Weiss, redacteur en actrice, herinnerde zich dat de eerste editie in 1999 verscheen en de tweede in 2003. “Deze derde editie behoudt de eerdere erfenis en voegt prologen toe van Juan Antonio Hormigón en Luis Mario Moncada.

“Er zijn 365 aforismen – één voor elke dag – die je uitnodigen om jezelf te verliezen in gedachten, om onzichtbare deuren te openen.”

Gabriel Pascal, moderator van het evenement, benadrukte de waarde van het ontstaan van deze editie zonder institutionele steun. Ze werd gerealiseerd met de essentiële elementen: medeplichtigheid, vasthoudendheid en een diepe liefde voor theater .

Marina de Tavira verwoordde haar verbondenheid met de tekst als volgt: "Hij ligt al 25 jaar op mijn bureau. In de voorkamer van elk personage, in de repetitieruimte, in de gangen, in mijn notitieboekjes. Altijd veranderend, altijd hetzelfde ." Ze gaf aan dat "Het Onzichtbare Spektakel… het domein van acteren overstijgt; het is een gids naar het mysterie van het bestaan ."

Hij benadrukte ook de pedagogie van de toneelmaker als dynamisch denken: "Elk aforisme is een vonk, een kompas. Het fluistert me toe: 'Jij hebt mijn oren, ik ben jouw labyrint.'" Hij reflecteerde ook op het heden: "Vandaag, nu de media ons dwingen een spektakel van onszelf te worden, krijgt dit werk weer urgentie ."

Julieta Egurrola was kort en emotioneel. Ze herinnerde zich dat ze De Tavira ontmoette toen ze nog op de middelbare school zat. Maar de woorden die ze na elk optreden niet kon uitspreken, zijn er nog steeds. Ze zijn van ons .

Vervolgens nodigde hij het publiek uit om hun favoriete aforismen hardop voor te lezen. De respons was direct: acteurs, alumni en studenten – veelal opgeleid door de toneelontwerper – vierden met welsprekende en aangrijpende passages de kunst die hen verenigt.

Weiss verbond de ideeën van het boek met de huidige context: Luis betoogt dat een natie zichzelf vormgeeft via haar theater. Ik denk aan de Zapatista-gebieden, waar theater een vorm van herinnering is en een gewenste horizon projecteert .

Luis de Tavira gaf toe dat dit boek is geïnspireerd door een middeleeuws literair werk dat hem zijn hele leven heeft vergezeld: Het Boek van de Geliefde en de Liefde van Raimundo Lullio.

Er zijn 365 korte dialogen tussen de geliefde en de liefde. De openingsscène toont de geliefde die vraagt wat hij die dag moet doen. Liefde antwoordt: 'Liefde.' De geliefde antwoordt: 'Ik heb al lief.' En de liefde besluit: 'Heb meer lief.' Dat fragment vat de kern van mijn werk en de betekenis van deze gedeelde avond samen.

Theater verenigt ons en creëert gemeenschap. Het roept ons op om onszelf hier en nu te vinden, te ontdekken wat we delen en die band te versterken. Deze reflecties komen voort uit een gepassioneerde liefde voor kunst en voor degenen die het mogelijk maken. Want wat wij onzichtbaar spektakel noemen, is in wezen de materialisatie van een liefde die altijd wil groeien.

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 4

De nieuwe editie van The Invisible Spectacle: Paradoxes of the Art of Acting (Ediciones El Milagro) van Luis de Tavira onderzoekt angst, fictie, identiteit, jeugd, talent en de kwetsbaarheid van degenen die zichzelf blootgeven aan anderen, maar ook tijd, visie, geheugen en gedachten als theatrale handelingen.

Enkele aforismen die in de tekst voorkomen zijn:

Dit boek is geschreven om langzaam te lezen, omdat het laat ingaat op een tijd waarin het denken verbannen is van de actie die de kunst van het handelen wilde zijn .

Theater heeft vele jaren nodig om jong te worden. Die kunst van het jeugdige masker dat het bedrog van het volwassen leven ontmaskert, dat andere masker, nu eens uitdrukkingsloos, dan weer ondoordringbaar, slechts gelijk aan zichzelf: de bittere ervaring van alles wat geleefd is .

Dingen openen om ruimte te maken voor de wereld: dat is de kracht van fictie .

▲ Effigy Vase II , olieverf. 2023. Foto met dank aan de kunstenaar .

Vrolijke MacMasters

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 5

De Espacio Cultural Gallery in Oaxaca-stad toont het werk van schilder Demián Flores, dat samenviel met de opening van het Rufino Tamayo Museum voor Pre-Spaanse Kunst van Mexico in Oaxaca, 49 jaar geleden. Deze werken omvatten 12 lithografieën van oude Mexicaanse afgodsbeelden, die verwijzen naar de meer dan 1000 archeologische stukken die Tamayo schonk.

Deze lithografieën zijn gebaseerd op eenvoudige tekeningen van een deel van het keramiek uit de collectie, waarop Tamayo vervolgens een gekleurde beits aanbracht , merkt Demián op. Veel van de in het museum tentoongestelde voorwerpen hebben hun eigen unieke karakter . Voor zover de originele museografie, die nog steeds bewaard is gebleven, Tamayo's schilderijen nabootst, absorberen de kleurrijke nissen van het museum de kleuren eromheen en veranderen zo onze kijk op het werk.

Aangetrokken door Tamayo's grafische werk, nam Flores "hun inspiratie over om een enigszins academische, bijna archeologische tekening te maken van dezelfde Zapoteekse urnen, zowel afkomstig van de vindplaats in Oaxaca als van het Nationaal Museum voor Antropologie. Van deze urnen is Cocijo, de god van bliksem, regen, stormen, hagel, wolken, mist en dauw , een van de meest representatieve en relevante godheden binnen het Zapoteekse pantheon." Flores tekende persoonlijk op beide locaties.

Cocijo is de titel van de serie Flores die meer dan drie jaar geleden begon; een deel ervan is te zien in de Espacio Cultural de Oaxaca. De serie omvat 14 olieverfschilderijen in verschillende formaten, acht prenten en een keramisch werk. Eind 2023 exposeerde de kunstenaar een aantal van deze werken in zijn solotentoonstelling A flor de piel (Een bloem van huid) , de meest recente tentoonstelling van Galería Casa Lamm.

Flores had eerder gewerkt aan de figuur van Chaac, een Mayaversie van Cocijo , een werk dat een dialoog aanging met een werk over hetzelfde thema van de Franse kunstenaar Orlán, dat in 2024 werd tentoongesteld in het Museo de Arte Popular. Daaruit ontstond de Cocijo-serie, die een bijna archeologisch werk vereiste met de tekening van deze stukken , waarvan veel iconografische kenmerken te maken hebben met de vleermuis, de aarde, de lucht, de jaguar en de slang. Door deze afbeeldingen samen te voegen en een soort palimpsest te creëren – het zijn niet allemaal beeltenissen van Cocijo – realiseerde Flores zich dat de combinatie van deze iconografieën nieuwe betekenissen creëerde.

Nieuwe signifiers creëren

Op dat moment besloot hij de reeks tekeningen te verschuiven naar schilderkunst. Dit bracht hem ertoe te overwegen wat ik wilde doen met schilderen als een hedendaagse artistieke praktijk . Hij besloot dat dit zou betekenen dat hij schilderkunst vanuit haar eigen elementen zou herbekijken als een betekenisvolle vorm . Zo verving hij deze kleine lineaire tekeningen als een vorm van picturale structuur, en deze lijnen werden een drijfveer om schilderkunst te beschouwen: hoe de lijn de picturale ruimte kon bepalen .

Volgens Flores is Cocijo zijn meest picturale serie, hoewel, als je naar de schilderijen kijkt, het eigenlijk lijnen zijn die het visuele veld construeren . Hij was ook geïnteresseerd in het creëren van "een soort antipalimpsest, alsof je de elementen van de schilderkunst – lijn, kleur, ruimte – ontmantelt om tot bijna essentiële vormen te komen."

Een deel van de serie is ook te zien in Mexico-Stad, want de grafische stukken zijn gemaakt in de werkplaats La Imagen del Rinoceronte in het centrum van Tlalpan.

De werkplaats, onder leiding van graficus Humberto Valdez, is gratis toegankelijk voor jongeren die er werken en grafisch ontwerp leren. Dagelijks komen er zo'n 50 tot 60 jongeren, vertelt Flores, die er een portfolio van zes prenten maakte, waarvan hij de oplage doneerde zodat de opbrengst de aankoop van materialen kon ondersteunen.

De Cocijo- tentoonstelling is tot 15 augustus te zien in de Espacio Cultural de Oaxaca, Crespo 114, stad Oaxaca.

Van de redactie

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 5

Baja California is de eregast in het Los Pinos Cultural Center tijdens een viering die vandaag en morgen plaatsvindt. De grensstaat zal muziek, dans, verhalen vertellen, literatuur, gastronomie en een tentoonstelling van ambachten presenteren: uitingen van de zee, de bergen en de woestijn van het noorden van het land.

De Yuman, een groep inheemse bevolkingsgroepen aan de Mexicaanse kant, zullen vertegenwoordigd zijn in de smaken van gerookte gerechten en in een tentoonstelling van handgemaakte producten. Deze activiteiten beginnen om 10.00 uur. Tegelijkertijd wordt de fototentoonstelling Jaspuypaim: The Never Baptized geopend voor het publiek, waarin het leven en de dood van de bergindianen worden vastgelegd.

Deze inheemse groepen bestaan al zo'n 4500 jaar en zijn daarmee de enige groep van prehistorische oorsprong die contact heeft gelegd met Europese kolonisten en die tot op de dag van vandaag voortleeft. Ze wonen in nederzettingen in de gemeenten Ensenada, Tecate, Rosarito en Mexicali.

Vandaag en morgen zal Lizeth Marcela representatieve mondelinge vertelkunst uit Baja California aanbieden en daarnaast workshops voor kinderen geven.

Danser Alejandro Chávez verzorgt hedendaagse dansvoorstellingen met choreografie Manuel , terwijl Jesús Bautista het rock-popconcert Me verás subir verzorgt.

Tussen 13.00 en 15.00 uur arriveert station Nortestación , waar boeken van schrijvers uit Baja California worden uitgedeeld. Minerva Velasco zal ook een gedramatiseerde lezing van Frida Kahlo geven: Viva la Vida .

Zondag om 15:20 uur voert de National School of Folkloric Dance Company de calabaceado-dans op, een dans die zijn oorsprong vindt in de veehouderij in het noorden. In 2022 werd de calabaceado-dans uitgeroepen tot cultureel erfgoed van Baja California.

De opening van het Baja California culturele festival in Los Pinos op de Plaza de las Jacarandas vindt plaats om 11:00 uur. Aanwezig zijn onder andere Elisa Lemus, directeur van het Los Pinos Cultural Complex, en Alma Delia Ábrego, secretaris van Cultuur van Baja California.

De activiteiten, waaraan 30 kunstenaars, chef-koks, ambachtslieden en cultuurpromotors deelnemen als onderdeel van het initiatief Mexico in Los Pinos, vinden beide dagen plaats van 10.00 tot 17.00 uur in de ruimte aan de Molino del Rey 252, in het eerste deel van Chapultepec Park.

Latijnse pers

Krant La Jornada, zaterdag 2 augustus 2025, p. 5

New York. Het Metropolitan Museum of Art (Met) heeft aangekondigd dat er meer dan 200 originele stukken, waaronder sculpturen en artefacten, met afbeeldingen van de goden van het oude Egypte, in de instelling zullen worden tentoongesteld.

Vanaf 12 oktober verkent de tentoonstelling Divine Egypt de spiritualiteit en religieuze kunst van deze verre, maar aantrekkelijke en raadselachtige beschaving.

Er zullen spirituele representaties van deze godheden te zien zijn in tempels, heiligdommen en graven, evenals de instrumenten die hen dagelijks tot leven brachten in hun aanbidding, waardoor een verbinding ontstaat tussen de echte en de goddelijke wereld. De tentoongestelde werken variëren van monumentale beelden tot kleine, elegante beeldjes die 25 van de belangrijkste afgodsbeelden uit die tijd symboliseren, waaronder de god met de valkenkop Horus; de leeuwenkop Sakhmet; en de grote schepper voor de Egyptenaren, Ra, onder anderen.

De directeur van het museum, Max Hollein, merkte op dat de tentoonstelling de mooiste werken samenbrengt die zijn uitgeleend door enkele van 's werelds meest vooraanstaande instituten, waaronder het Fine Arts Museum in Boston, het Louvre in Parijs en de Ny Carlsberg Glyptotek in Kopenhagen. Meer dan 140 van die objecten zijn echter eigendom van het Met zelf, merkte hij op.

De galerie benadrukte dat een van de belangrijkste stukken een massief gouden beeld van de god Amon is, dat een replica van een goddelijke bark zal sieren, een type vaartuig dat de belangrijkste godheid van een tempel vervoerde.

Elk onderdeel van de tentoonstelling onderzoekt de manieren waarop de koningen en de bevolking van het oude Egypte hun goden herkenden en met hen omgingen. Het biedt een meeslepende kijk op het gedachtegoed en de spiritualiteit van een van de meest duurzame en geavanceerde beschavingen uit de geschiedenis.

De tentoonstelling benadrukt het diepe gevoel van continuïteit en vernieuwing waarmee de Egyptenaren de grote mysteries van leven en dood benaderden, waarbij ze hun antwoorden verankerden in de visuele en symbolische rijkdom van hun religieuze kunst, concludeerde het Met.