Dikkat dağınıklığı çağında sanata nasıl bakılmalı? Günümüzde algıyı anlamak için altı kitap

Anlatıcı, çevirmen ve deneme yazarı Mariana Dimópulos, son kitabı Saying the World: An Introduction to the Philosophy of Language (Malba Literatura)'da şöyle diyor: " İmge giderek daha fazla ağırlık kazanıyor ve kelime tekniği, istatistiksel bilgi biriktirme tekniği haline geldi. Böylece, yakın zamana kadar önemli olan eski ifade biçimleri, önemini yitiriyor. Sanatlar değişiyor, edebiyat değişiyor ve gördüğümüz ve dikkat ettiğimiz şey artık yalnızca yazılı kelime değil, başka bir şey veya başka bir şey."

Birçok kişiye korkunç ve felaket gibi gelebilecek bu düşünceler, dünyada var olma biçiminin sonunu ifade etse de, bu tarihsel şimdiki zamanda giderek daha belirgin hale gelen bir kesinliği yansıtıyor: Yazılı sözcüğün geleneksel kullanımının aleyhine görselliğin baskınlığı.

Bu anlamda, bu anlayışın sürekli gerilim içinde olduğu bir dönemde ("eğer her şey sanatsa, sanat nedir?") bir sanat alanı olarak görsel sanatlar, pandemi sonrası yeniden yapılanma bağlamında yeni bir önem kazanıyor . Yani bakışın yeniden eğitilmesi gerekiyor çünkü ağların ezici kitleselleşmesi ve kirlenmesiyle karşı karşıya kaldığımız, pandemi sırasında öznelliklerin yeniden yapılandırıldığı, imgelerin algılanması ve değerlendirilmesinin istikrarsızlaştığı, ısrarcı bir hayal kırıklığıyla sarsıldığı bir zamanda yaşıyoruz.

Şeylere yeni bir gözle bakmayı nasıl öğrenebiliriz? Bu duruma yanıt olarak, görsel sanatlarla ilgili bu çağdaş sorunu farklı bakış açıları ve müdahalelerle ele almaya çalışan bir dizi kitap ortaya çıktı. Gelin bir göz atalım.

Şair, görsel sanatçı, küratör ve –kendi biyografisinde de belirttiği üzere– ev hanımı Fernanda Laguna şöyle yazıyor: "'Sanat' kelimesi, büyüdükçe sönen cüce bir yıldız gibidir; bu yüzden onu kullanmak benim için enerji gerektirir. Benim için sanat bir nesne veya bunların bir birikimi değil, daha ziyade bu kelime, bir benzetmeyle 'trans' adını verdiğim bir dünyayı ifade eder."

Laguna, en son kitabı ¡Muy Espectacular! Deseos, Cartas y Textos de Arte (1995–2025) (Reservoir Books)'da, teorik içgörülerden tamamen uzaklaşarak ("Bir sanatçı olarak yükseldim"), eserlere duyusal ve adanmış bir yaklaşım yaratmak için gözü kullanmanın bir yolunu sergiliyor: "Başkalarının yaptıklarından etkileniyorum, bu yüzden kolektif olarak çok çalışıyorum," diye yazıyor.

Bunlar, her zaman bir hedef kitlesi olan ve bu nedenle kişiselleşerek samimiyet ve yakınlık yaratan metinlerdir: Mariela Scafati, Tracey Emin, Diana Aisenberg, Guillermo Iuso, Gumier Maier, Roberta Iannamico ve diğerleri. Bu şekilde Laguna, kendi güzellik anlayışını (sanat güzel şeyler midir?) arar ve önceden belirlenmiş ve kurumsallaşmış mekânlardan ve imgelerden uzaklaşarak özgürleşmiş bir bakış ve sesle yüzleşir.

53. sayfada şöyle diyor: "Hiç hayal edemeyeceğim bir şeyin ortaya çıkabileceği heyecanıyla yönlendiriliyorum." Günümüzde sanat, hayal gücüyle mi ilgili? Çok etkileyici! Bir fikir üzerinde çalışır: Yargı - ve daha da önemlisi önyargı - estetik deneyimi yok eder.

İnternet, pandemi ve sosyal medya sayesinde zamanın en büyük belirtisi , giderek kısalan sürelerin ötesinde dikkati sürdürememe hali . Peki bu durum sanatı ve sergileri nasıl etkiliyor? Elbette çok etkiliyor, çünkü sanat günlük yaşamın ayrılmaz bir parçası.

Ancak bu dönemin sanatçılarının bu parçalanmış –hatta kopuk?– dikkati, görsel imgeleriyle bir diyaloğun parçası olarak kullanmaları da mümkün. Claire Bishop'un Disturbed Attention: Ways of Seeing Art and Performance Today (Black Box) adlı eseri bu konuyu ele alıyor ve olası çözümleri/yeniden icatları değerlendiriyor.

Yazar şöyle yazıyor: "Dikkatin tanımı, kendimizi insan olarak algılama biçimimizle özünde bağlantılıdır." Ve şöyle devam ediyor: " Dikkatin patolojikleştirilmesi, zihin ve beden, birey ve toplum arasında bir ayrıma yol açar . Kusurun siz değil, beyniniz olması sizi rahatlatır. Ama ilacı alan yine de sizsiniz, birey: toplum değil."

Güncel olayları yorumlayarak belirli bir soruya cevap arayan bir kitap: Dikkatimizi veremediğimizde neye bakıyoruz? Yeni kitlelerin nerede durduğunu ve bununla ne yapılması gerektiğini anlamak için eleştirel bir metin.

Anne Truitt'in " Bir Sanatçının Günlüğü" (Chai Editora) adlı kitabı, bir sanatçının zihinsel atölyesine girme fırsatı sunan bir kitap. 1970'lerin başlarında, Amerikalı sanatçı birçok ödül alıyordu ve bunalmıştı. "Kendini kaybettiğini" hissediyordu. Bir karar verdi: Bir defter aldı ve yazmaya başladı.

Önsözde şöyle diyor: " Kendime koyduğum tek sınırlama, sanatçının konuşmasına izin vermekti. Bunu dürüstçe yaparsam, kendimi kendi gözümde bütün kılacak bir bakış açısıyla nasıl göreceğimi keşfedeceğimi umuyordum." Şöyle açıklıyor: "Hayatımın yaşarken nasıl inşa edildiğini, ne kadar doğal ve kaçınılmaz bir şekilde sanatçı olduğumu görmeye başladım."

Günlük, 1974'ten 1980'e kadar olan dönemi ele alarak Truitt'in günlük hayatına tanıklık etmemizi ve anne olurken ve bağımsız bir sanatçı olarak yaşamını sürdürürken sanatta nasıl yol aldığını görmemizi sağlıyor. Ekonomi, annelik, toplumun geleceği ve kaçınılmaz olarak çökmekte olan bir dünyada kişinin eserinin değeri gibi güncel meseleleri ele aldığı için güncel bir metin.

İşte bu yüzden bu kitabın bir benzeri , Éric Alliez ve Jean-Clet Martin'in yakın zamanda yayınladıkları "Göz-Beyin: Modern Resmin Yeni Tarihleri " (Cactus) adlı makale olabilir. Bu metin, felsefi bir dil kullanarak bir görsel sanatçının zihninin işleyişini derinlemesine incelemeyi amaçlıyor.

Goethe’den Cézanne’a uzanan tarihsel-eleştirel bir bakış açısıyla göz-beyin ilişkisini, görme biçimlerini derinlemesine incelemeye çalışan bir yapıt.

Sıra dışı sanatçı ve yazar Luis Felipe "Yuyo" Noé, yaratım, düşünce teorisi ve deneme arasındaki ilişkide önemli bir anı işaret eden iki kitap bıraktı: Yazan Göz (Ampersand) ve Kaosu Kabul Etmek. Yaşamda ve Sanatta (Cuenco del Plata). Bu iki metin , Arjantin kültürüne uzanan akıl almaz bir yolculuğun bağlantı noktaları olarak hizmet ediyor: oluşum ve miras, ya da biçimlendirici başlangıç ​​ve ilahi bir son.

Noé , Yazan Göz'de, sanat üzerine düşünmesini ve bir imge, resim ve yazı yaratıcısı olarak kendi geleceği hakkında kavramsallaştırmalar bulmasını sağlayan resimler, kitaplar ve durumlarla olan ilişkisini zengin bir şekilde inceliyor . Aydınlatıcı bir kitap çünkü bizi parlak bir sanatçının perde arkasına götürüyor ve bu kadar çok fikrin nereden geldiğini merak etmemizi sağlıyor.

Kaosun Üstesinden Gelmek ise , yılın denemelerinden biri . Sadece kaosu kavramaya çalıştığı parlak, karmaşık ve çeşitli yollardan dolayı değil (daha derinlemesine incelemek isterseniz Fernando "Pino" Solanas'ın "Yaratıcı Eylemin Sürüklenişinde Üç Kişi" belgeseline bakın), aynı zamanda içinde yaşadığımız kaotik zamanları göz kamaştırıcı bir sanatçının gözünden değerlendirmemize yol açtığı için de.

Kaosu Kucaklamak, Noé gibi bir sanatçının aynı berraklık ve azimle inanılmaz eserler yaratmaya nasıl devam edebildiğini anlamak için mutlaka okunması gereken bir kitap.

İngiliz ressam, eleştirmen ve yazar John Berger ile İtalyan tarihçi Carlo Ginzburg'u okuduğumuzda, birbiriyle bağlantılı iki düşünceye varıyoruz: Bu ikisi gerçekten nasıl göreceklerini biliyor ve gördükleri hakkında nasıl yazacaklarını herkesten daha iyi biliyorlar. Bu gerçeği yansıtan iki kitapları yeni yayımlandı: Berger'in " Görünür Üzerine Küçük Bir Teoriye Doğru Bazı Adımlar" (Interzona) ve Ginzburg'un "Sonu Olmayan Bir Hikaye " (Ampersand).

Berger, farklı dönemlerden bir dizi denemede, günümüzdeki gibi imgelerle dolu bir dünyada ressamın (yazar “direniş”ten bahsediyor) yerinin ne olduğunu soruyor ve sorguluyorsa, Ginzburg da 9 seçkin denemede kendi alanından, mikrotarih alanından, imgelerin sözcüklere nasıl bağlandığı ve gördüklerimiz hakkında nasıl konuştuğumuzdan bahsediyor; dolayısıyla bu “hiç bitmeyen bir hikaye”: her zaman gördüklerimiz hakkında konuşuyoruz.

Yani: Ele aldıkları soru doğrudandır: Hiçbir şeyin retinaya iz bırakmadığı bu son derece görsel dünyada, sanatsal imgelerin sözcüklerine ve çatışmacı çalışmalarına nasıl derinlik (ve elbette değer) kazandırılabilir ?

Bitirmek (ve başa dönmek) için, Mariana Dimópulos'un Decir el mundo'daki şu sözlerini dikkate almaya değer: "Çok fazla söylem üreten ve bu öz-yansıtıcı fazlalığın yalnızca küçük bir kısmını değerli meseleler için kullanan dünya, bizim yaşama biçimimiz ve (inandığımız) bizim için önemli olanı kavrama biçimimiz olduğu sürece aygıtlar ve teknolojiler yaratmaya devam edecektir."

Her şeyin durmaksızın bir hiper uyarılma olduğu ve hiçbir şeyin hiçbir yerde kalmadığı bu çağın belki de en büyük zorluğu, yeniden değer, anlam ve aşkınlık üretmektir . Her zaman olduğu gibi, bu dümensiz gemiye yeni bir ufuk kazandırmak, herkesin üzerine düşeni yaptığı kolektif bir görevdir. Bu yazıda paylaştığımız kitaplar, görsel sanatları tarihin bu tarafından yeniden düşünmenin mümkün olduğunun kanıtıdır.