Duvara karşı gerçeküstü Arjantin takımı

Jorge Mara Galerisi'nde yakın zamanda açılan serginin ismi yerinde olsa da, bu durum bizi her bir resim veya fotoğrafı ayrı ayrı takdir etmekten alıkoymamalı. Bazen bir hareketin aşırı korumacı şemsiyesi bireysel erdemleri zayıflatır, eşitler veya yok eder. Özellikle sürrealizmde durum böyleydi; edebi ve sanatsal çeşitli tezahürlerinde, tüm uygulayıcılarını o manyetik alanda eşitleme riski vardı; tüm yapıtlar sanki aynı anonim elden çıkmış gibi görünen rastgele bir üslup altında. Her halükarda, "Gerçeküstücülükler" sergisi, bugün siyasal yaşamın ve hatta anlaşılabilir bir biçimde çağdaş sanat dünyasının bazı saçmalıklarını tanımlamak için kullanılan bir terimin salt estetik, daha samimi ve kesin bir izlenimini edinmek için ideal bir fırsat.

Kurnaz ve otoriter Fransız rahip André Breton, 101 yıl önce ilk sürrealist manifestosunu yayınlamıştı: "Hayal gücünün bayrağını indirmemize neden olan şey delilik korkusu olmayacak," demişti. Hareketi, Atlantik'in bu yakasında, özellikle de en büyük destekçisi olan şair, sanat eleştirmeni ve çevirmen Aldo Pellegrini sayesinde güçlü bir etki yarattı. Pellegrini'nin çığır açan antolojisi, Julio Cortázar, Alejandra Pizarnik ve César Aira'nın da aralarında bulunduğu pek çok sanatçının yolunu kesin olarak değiştirdi. Arjantin sanatında gölge daha az uzun değildi.

Breton, Paul Eluard, Pierre Reverdy, Philippe Soupault, Benjamin Péret, Louis Aragon ve diğer ortakların, hiçbirisi teknik ustalığı şans eseri dışlamayan rüya benzeri yaratıcı uyaranların cömert menüsünden, "otomatik yazım" en bulaşıcı olanlardan biriydi; hatta Antonin Artaud, Francis Picabia, Jean Arp, Max Ernst, Salvador Dalí, Luis Buñuel ve Man Ray'in yaptığı gibi, basılı sayfadan tuvale ve filme bile sıçradı. Mevcut sergide bu naklin güzel örneklerini Roberto Aizenberg, Juan Battle Planas ve Ernesto Deira'nın işlerinde görüyoruz. "Karşımda fırtınaları dağıtan el var," diye bekliyordu Eluard.

Roberto Aizenberg'in (1928-1996) grafiti, çizgilerin mesken tuttuğu -inşa ettiği- yalnız figürleri sunar: eğri veya dairesel çizgiler, aldatıcı derecede şüpheli. Bir silüet biçimsiz olana kur yapar ya da biçimsiz olana yakınlaşır. Bunlar, beşliyi etkileyen aniden ortaya çıkan ölümcül olmayan bir hastalığın örnekleriymiş gibi davranıyorlar. Üçü yüz ifadesi takınmamayı tercih ederken, ikisi yüze benzeyen bir şey takıyor: Bir tür Fransız şef ve düşmüş bir prensin prototipi. Karşı portreler, eğer terim uygunsa, renklilikten uzak bir mesafede geziniyorlar. Bu rahatsız edici figürler, Aizenberg'e adını veren ve onun kutsanmasını simgeleyen, mükemmelliğin kırılganlığını temsil eden ıssız kulelerin tam tersidir. Bunlar daha çok kısa ve bulanık hayatların bir galerisini tasvir ediyor. İşte o zaman geride bırakılan ya da bırakılacak olan o harikulade izler, o izler. Sürrealizm, her halükarda minimal ifadenin bir örneği.

Onun sıkı çağdaşı ve komşusu Ernesto Deira (1928-1986) Goya'nın ifadesini yeniden ifade ediyor: Çizim canavarlar yaratır. Mürekkep eli kendini bırakıyor, korkunç olaylara tanıklık etmiş bir robot gibi ölü çizimler çiziyor. Uç, kendi sadık ve acımasız yolculuğunu kovar. Çizgi hayaletsi olanda, hayali olanda bir çekiş arıyor. Özlemle, biçimler yumuşar. Bir arada birçok resim: hayırlı bir sapma. Bağlanmayı reddetmeyen dokuz adet çerçeveli çeşidi bulunmaktadır. Bu parçalar, çizimin saf bir kesinti (kendi başına) olduğunu reddeder, tıpkı resimde olduğu gibi, uygulamada ve tefekkürde süreklilik kazanabileceğini doğrular. Siyah ve gri renkteki üç ayrı parça ise korku türünün bir başka taslağı. Anatominin çözülmesi. İnsana dair tek ipucu, doğal olarak, ayaklardır. Bunlardan birinde Deira'nın kırmızı imzasının yer alması hiç de şaşırtıcı değil.

Raquel Forner'ın (1902-1988) iki tablosundan biri serginin en iyisi (diğeri daha ciddi bir Chagall). Doğal olarak -gerçekten- seyreltilmiş bir iklimin ortasında, seçilen formatın yassılaştırılmış küçüklüğüyle ek bir sinir kazanan, çarpıtılmış ve kreolize edilmiş Picassovari figürler ve hayvanlar öneriyor. Karşı kaldırımda tek bir Xul Solar ve onun astrolojik ve numerolojik portakalları, sembolik bir uçuş halinde, pastel hermetikliğinin düzenine her zaman dikkat ederek.

Juan Batlle Planas'ın (1911-1966) iki yağlıboya tablosunda yalnızlık, korkutucu bir sadelikle son bulmaktadır. Üç mürekkep ve gölgeli kalemler, sunulabilir, düşsel ve geometrik bir şema elde etmeyi amaçlayan tek renkli çalışmalardır. Başarılı yapılandırma, öncü ve ikinci el sürrealistleri cezbeden gerçekliğe ve izlenen temsile karşı yapılan şakacı kesintilerle elde edilen boş kışkırtma ve egzersiz havasını kurtarıyor.

Luis Felipe Noé'nin (1933-2025) eseri, renklerle tamamen patlatılmış - yeniden canlandırılmış - bir manzarayı sergiliyor. Şatafatlı flüoresanslar ve bilinçsiz cüretkarlık, bir paletin şarkılı kombinasyonlarına sırt çeviriyor. Doğanın pastoral olduğunu kim söylemiş? Resmin merkezindeki rengarenk ateş meydan okuyor sanki. Eğer her rengin (kişisel tarihinde) bir zamanı varsa, Nuh zamanı bir girdaba dönüştürme, onu çalkalama ve bir bardak gibi geri fırlatma riskini göze aldı.

Mildred Burton'ın (1942-2008) karanlık kasveti, küçük boyutuyla daha da uğursuz hale geliyor ve renkleri, tanınabilir biçimlerde kişileştiriliyor ancak çarpık kaderlerden muzdarip. Hayal gücünün yerinden ettiği meyveler, üst üste binmiş düzlemlerinden mücadele etmeyi sürdürüyor, bu çabaların asla müzelik bir parça olmaması için.

Burton ile aynı yıl doğan Fermín Eguía (1942-2024), diğer süzülme ve gezinmelerin yanı sıra, kalın, güvenilir gözlükleri ve şeytan ya da ejderha kuyruğuyla vurgulanan bir okuyucu imajı bıraktı. Portre ressamı geldiğinde, kitabından uzaklaşmış, belki sinirli, ama kesinlikle uyanıktır. O sıkışmış silüette, çevredeki karanlık, uzuvlarının beyazıyla yarışıyor. 70'lerde ışık nereden geldi?

Fernando Maza'nın (1936-2017) bakırımsı, çöl benzeri, uç manzaraları kurak bir güzelliğe sahiptir; boşluk kendi alfabesini, kendi görünümlerini önerir. Rakamlar ve dil düşüyor. Resim içinde resim: Bir Yunan Y'si, piramit biçiminde bir taş obje ve uzanmış bir ve işareti. Hayali bir yaratığın izini sürün. Maza'nın deyimiyle, bir rengin, bir resimde (camın arkasında) bile, büyük ölçüde dokuya bağlı olduğunu hatırlayalım. Yakın ama öncesinde, Magritte'e yaklaşımlar ile Aizenberg parkına devamlılık kazandırma çabaları arasında, bir patika ile diğeri arasındaki o boşlukta, genç Kirin (1953) kendi yolunu arıyordu.

Sahne arkasında, tıpkı geliştirme odasında olduğu gibi, Horacio Coppola'nın (1906-2012) isimsiz bir bebeğin fotoğrafı, ona hazır bir gerçeküstücülükle deneme yapma olanağı tanırken, Grete Stern'in (1904-1999) çeşitli rüyaları , evde gerçeküstücülüğü tercih ediyor. Stern, Pierre Reverdy'nin bir görüntünün "az çok uzak iki gerçekliğin yakınlaşmasından" doğduğu yönündeki görüşüne mükemmel bir yanıt veriyor. Ve Stern'in siyah beyaz fotoğrafları, sürrealist bir montajın veya kolajın ne olduğunun en iyi örneğidir. Yahut, konuyla ilgili bir ders ve aynı zamanda (bir "dedikodu" dergisi tarafından) verilen göreve karşı bir itaatsizlik.

Bir asırdan fazla bir süre önce patlatılmış bir patlayıcıya eşdeğer, büyüleyici, işlevsiz bir mirasçı ailesi olan "Gerçeküstücülükler" sergisi, sanattaki üsluplar söz konusu olduğunda, pek çok şeyde olduğu gibi, diplomasi tanımının Lord Palmerston tarafından formüle edilmesinin uygun olacağını doğruluyor: "Beş farklı dilde sessiz kalmayı bilmek."

"Gerçeküstücülükler". Jorge Mara Galerisi, Paraná 1133, CABA. 30 Haziran 2025'e kadar.