Das SMAK Museum feiert die Neuerfindung der Malerei

In den letzten zwanzig Jahren hat die Malerei weltweit eine bemerkenswerte Renaissance erlebt. Junge Künstler haben neue Wege gefunden, das Medium zu nutzen und einzigartige Stile zu entwickeln. Nicht nur in Galerien und auf Kunstmessen, wo sie weiterhin die bevorzugte Sprache des Marktes ist, ist die Malerei wieder zum Protagonisten geworden, sondern auch in öffentlichen Einrichtungen mit Ausstellungen, die zeigen, dass die Malerei für viele Künstlerinnen und Künstler weiterhin das bevorzugte Ausdrucksmittel ist. Seine Körperlichkeit widersetzt sich dann der zunehmenden Abstraktion des Digitalen auf kraftvolle Weise, indem es eine konkrete Präsenz in einer zunehmend virtuellen Realität bietet. Im Jahr 2023 war die von Damiano Gullì kuratierte Ausstellung „Pittura italiana oggi“ auf der Triennale di Milano als umfassende Übersicht über das zeitgenössische Panorama der Malerei in Italien gedacht. 120 zwischen 1960 und 2000 geborene Künstler waren eingeladen, jeweils ein zwischen 2020 und 2023 entstandenes Werk auszustellen. Ein ähnlicher Betrachtungspunkt findet sich in der Ausstellung „ Painting After Painting. A contemporary survey from Belgium “, kuratiert von Tanja Boon, Ann Hoste, Sam Steverlynck, Philippe Van Cauteren, Liesje Vandenbroeck, bis zum 2. November im SMAK-Museum in Gent, die Belgien als ihr Erkundungsland wählt – ein Land mit einer langen und prestigeträchtigen malerischen Tradition, von Jan van Eyck bis Michaël Borremans und Luc Tuymans –, sich aber für Beiträge von Künstlern aus aller Welt öffnet: Von den 74 in der Ausstellung vertretenen Künstlern wurden viele nicht in Belgien geboren, und dort arbeiten, eine Ausstellung, die somit eine Kreativität feiert, die ihren Ursprung in fernen Breitengraden hat und unterschiedliche Sensibilitäten und Ästhetiken umfasst.

«Zum Teufel, stell dich!» 2012, von Kati Heck, Öl auf Leinwand, 120 x 120 cm. Sammlung Tim Van Laere, Antwerpen.

Die Kuratoren sind sich der Last der Geschichte bewusst und haben beschlossen, ihren Blick auf die jüngeren Generationen zu richten: Die meisten Künstler wurden zwischen den 1970er und 1990er Jahren geboren. Manche sind bereits etablierte Namen, für andere ist es der erste wichtige Auftritt in einer Institution. Auch in diesem Fall sind die meisten Werke ganz neu, also in den letzten zwei Jahren entstanden und die Gemälde sind nach thematischen Kernen geordnet, die von den Auswirkungen der Digitalisierung bis hin zu einer Reflexion über Identität reichen. Einige Künstler schaffen narrative Werke, die sich mit ihrem täglichen Leben, politischen und sozialen Themen, Identität, Geschlecht und Repräsentation befassen, andere verwenden eine abstraktere oder formalistischere Sprache und erforschen die Beziehung zu anderen Formen der zeitgenössischen Bildgestaltung.

Die Ausstellung zeigt, wie sich unterschiedliche Künstler bei der Entstehung ihrer Werke einer starren Abgrenzung der Malerei auf Leinwand widersetzen, dabei aber unterschiedliche Materialien verwenden. Es ist eine Marmorplatte, die Pieter Vermeersch (in Italien arbeitet er mit P420, Bologna, zusammen; die Marmorarbeiten kosten zwischen 9.000 und 45.000 Euro, die anderen Leinwände zwischen 18.000 und 50.000 Euro, die komplexeren erreichen bis zu 100.000 Euro) zum Malen auswählt; eine reflektierende Glasplatte dient der Künstlerin Carlotta Bailly-Borg als Bildträger, während alte Supermarktprospekte für die Gemälde von Anne Van Boxelaere (von Fred & Ferry, Antwerpen, Preise zwischen etwa 2.800 und 6.000 Euro) verwendet werden, die die schizophrenen Gesellschaftssysteme und die unterdrückerischen Entwicklungen im dicht besiedelten und bebauten Belgien beobachtet. Natasja Mabesoone spielt mit dem Druck, die Siebdrucke aus der Serie «La Coiffure / Combing the Hair», die wir bei der letzten Ausgabe von miart gesehen haben, sind in der Galerie Sofie Van de Velde, Antwerpen, ab 6.200 Euro erhältlich.

Trotz des Experimentierens mit visuellen Medien und Sprachen ist es immer noch die auf Leinwand aufgetragene Malerei, die die Szene dominiert, und der erste Abschnitt der Ausstellung vereint Werke, die in Dialog mit traditionellen Formen der Malerei treten und diese gleichzeitig durch kulturelle und persönliche Bezüge erneuern. So zeigt etwa «Doll» (2024) der jungen Mae Dessauvage (Jahrgang 1994) eine animeartige Figur, die auf den vier Seiten einer gotischen Miniaturkapelle abgebildet ist (von Tatjana Pieters, Gent, Preise von 450 bis 3.000 Euro für kleine und mittelgroße Werke). Diese Werke, die sowohl von der historischen Ikonographie als auch von ihrer eigenen Transgender-Erfahrung inspiriert sind, schlagen eine Brücke zwischen mittelalterlicher Malerei, postmoderner Architektur und zeitgenössischen Comics.

Luís Lázaro Matos lässt sich vom bildlichen Medium nicht einschüchtern und nutzt für seine Werke jede erdenkliche Oberfläche. Beim SMAK schuf er 2025 die ortsspezifische Installation „Diplomatic Immunity (The Eurorats)“, eine aus fünf Werken auf Leinwand, einem auf die Fenster gemalten Text und einem großen Wandgemälde bestehende Installation, das die Flagge der Europäischen Union als einen Kreis aus Spermien neu interpretiert. Mit Ironie und Provokation bezieht sich der Künstler auf die Geschichte von József Szájer , einem Mitglied des Europäischen Parlaments für die ungarische Anti-LGBTQ+-Partei Fidesz, der während des Covid-Lockdowns auf der Flucht vor einer „Schwulenorgie“ erwischt wurde. Matos verwandelt ihn in einen Rattenmenschen, der sich auf eine Reise der Emanzipation im Mittelmeerraum begibt (der Künstler arbeitet mit Madragoa, Lissabon, seine kleinen und mittelgroßen Werke kosten zwischen 2.000 und 11.000 Euro). Sinn für Humor, aber auch Provokation steckt in dem Werk „Madonna del Latte“ von Monika Stricker (in Italien arbeitet sie mit P420, Bologna, zusammen, und ihre Leinwände kosten zwischen 5.000 und 15.000 Euro). Es ist Teil einer Serie, die sich um die Wahrnehmung dreht, dass die männliche Figur, die jahrelang als Symbol für Macht und Männlichkeit gepriesen wurde, eine Schwächung erfahren hat, als ob die Grundlagen des patriarchalischen Denkens, das jahrhundertelang auch durch die Kunst dargestellt wurde, die als dessen Sprecher fungierte, in Frage gestellt worden wären. Parallel dazu greifen Felix De Clercqs Stillleben und Porträts die zeitlosen Themen Isolation und Einsamkeit auf. Die aufstrebende belgische Künstlerin (Jahrgang 1997), die 2020 ihr Studium an der Royal Academy of Fine Arts absolvierte, stellt dunkle und intime Interieurszenen dar, die von nachdenklichen männlichen Figuren bewohnt werden und ein Gefühl von Distanz und Introspektion vermitteln (in der Galerie Sofie Van de Velde liegen die Preise für Werke auf Leinwand zwischen 6.000 und 10.000 Euro, die auf Papier zwischen 3.000 und 5.000 Euro).