Die Kreativen, die die Kultur im Jahr 2025 prägen

Im Jahr 2025 sind dies die wichtigsten Stimmen, die Kultur und darstellende Kunst prägen. Ihr Talent ist legendär; sie sind wahre Kenner ihres Fachs. Diese neun Visionäre haben Grammy-prämierte Alben veröffentlicht, in nahezu jedem großen Konzertsaal und vor ausverkauftem Publikum gespielt, rekordverdächtige Tony-Nominierungen erhalten, Spitzentitel errungen und als Erste in ihren jeweiligen Bereichen neue Maßstäbe gesetzt. Sie haben Tausende von Followern, werden viral, perfektionieren ihr Handwerk mit Traumpartnern und schlagen damit neue Wege ein – für sich selbst, für ihre Kunst und für die Welt.

Lesen Sie weiter, um mehr über ihre Reisen, Inspirationen, Rituale und die Auftritte zu erfahren, die sie nie vergessen werden.

Julia Bullock scheut sich nicht, ihren eigenen Weg zu gehen. Der Opernstar, der kürzlich für ihre EP „ Walking in the Dark“ den Grammy Award für das beste klassische Solo-Gesangsalbum gewann, hat einen ungewöhnlichen Weg eingeschlagen, um die höchsten Höhen der Opernwelt zu erreichen. Sie wuchs in St. Louis, Missouri, auf und wollte ursprünglich Musiktheater studieren. Doch dank ihres Vaters entdeckte sie die klassische Musik, der ihr seine Lieblings-Opern-DVDs und -Aufnahmen vorspielte und ihre Karriere inspirierte. Bullock gab 2024 ihr Debüt an der Metropolitan Opera in „El Niño“ , und das Publikum erwartet gespannt ihre Rückkehr an die Met in der kommenden Produktion von „Antonius und Cleopatra“.

Auf einem Auftritt, den sie nie vergessen wird

Mein Debüt in der Carnegie Hall im Stern Auditorium. Ich spürte das Erbe all der Auftritte und Künstler, die vor mir dort waren – die Geschichte war greifbar. Es war ein Ort, der mich zum Singen ermutigte. Ich trug ein goldenes Lamékleid mit diesem wunderschönen Blattdetail. Ich fühlte mich, als gehöre ich hierher.

Über ihre Beziehung mit der berühmten Opernsängerin Renée Fleming

Renée war eine wahre Inspiration, sowohl beim Zuhören und Zuschauen als auch in den persönlichen Gesprächen mit ihr. Sie gehören zu den wichtigsten Gesprächen meines Lebens, wenn es um persönliche und berufliche Verhandlungen geht.

Über ihre Einflüsse

Ich fühle mich zu Soulsängern hingezogen, also zu allen, die ihre Lieder hervorragend interpretiert haben. Sie waren eine große Inspiration. Sie verstehen es, Texte zu vermitteln und verstehen die Botschaft der Stücke, die sie singen – sie scheuen sich nicht davor. Belcanto-Training ist eine der Freuden daran. Es befreit nicht nur meinen Körper im Moment, sondern ermöglicht mir auch, mich so zu erhalten, dass ich mich weiterentwickeln kann. Ich baue mir ein Leben in der Musik auf, nicht nur auf einen großen Auftritt.

Mit 37 Jahren gilt Khatia Buniatishvili bereits als eine der weltweit am meisten verehrten Pianistinnen und ist in nahezu jedem großen Konzertsaal der Welt aufgetreten. Buniatishvili wurde in Batumi, Georgien, geboren und wuchs in der Hauptstadt Tiflis auf. Für sie war Musik während der beiden Kriege, die sie erlebte, „eine Art zu überleben“ für sie und ihre Familie, sagt sie. Ihren ersten Auftritt mit dem Tifliser Kammerorchester hatte sie mit sechs Jahren; später studierte sie in Wien, bevor sie ihren Durchbruch auf der internationalen Bühne feierte. Heute ist Buniatishvili Cartier-Markenbotschafterin und hat mit Künstlern wie Coldplay zusammengearbeitet. Vor Kurzem veröffentlichte sie ein Album mit dem Titel „Mozart“ und wird im April nächsten Jahres für ein Solokonzert in die Carnegie Hall zurückkehren.

Wie sie ihren Auftritten Emotionen verleiht

Wenn man auf der Bühne steht, ist es wichtig, in diesem Moment alles zu geben. Ich sage immer, wenn ich auf der Bühne stehe, ist es, als wäre ich emotional nackt, weil man sich nicht hinter der Musik verstecken kann. Musik weckt alle Emotionen und Gefühle in einem. Ich sage, jedes Konzert ist wie mein letztes, weil ich es in vollen Zügen genießen möchte.

Einfluss versus Inspiration

Einfluss ist etwas anderes als Inspiration. Ich habe viele Inspirationen, versuche aber, Einflüsse zu vermeiden, weil ich denke, dass es in der Kunst um Individualismus geht. Man muss seine eigene Interpretation haben, aber wenn man beeinflusst wird, ist das, als würde man jemanden bestehlen.

Über ihr Ritual vor der Show

Ich mache gerne ein Nickerchen. Das Gehirn muss fit sein, und wenn man nicht genug schläft, muss man sich besser konzentrieren. Außerdem umarme ich Menschen, die ich liebe, bevor ich auf die Bühne gehe. Ansonsten schaue ich als Letztes in den Spiegel und denke darüber nach, was ich sehen werde. Ich sehe in meinen Augen, dass das meine Identität ist, und das erinnert mich daran, geerdet zu bleiben. Ich mag es, wenn das Publikum begeistert reagiert, aber das ist nicht das Wichtigste. Es geht mehr darum, woher man kommt, wer man ist. Die Verbindung mit dem inneren Kind, die man in den Augen sieht, hilft, geerdet zu bleiben.

Als künstlerische Leiterin der Konzertreihe Encores! des New York City Center leitete Lear deBessonet mehrere Produktionen, die an den Broadway kamen. Das ist der Traum von jemandem wie ihr und sie hofft, weiter aufzusteigen, wenn sie in derselben Funktion ans Lincoln Center Theater wechselt. Sie ist die erste Frau in der Geschichte des Zentrums für darstellende Künste, die für die Programmgestaltung verantwortlich ist, und tritt die Nachfolge von André Bishop an, der die Organisation seit 1992 leitete. DeBessonet ist außerdem Gründerin von Public Works am Public Theater, wo sie von 2012 bis 2020 als Hausdirektorin tätig war. Sie wird ihre Amtszeit mit der Broadway-Übertragung ihrer gut rezensierten Encores!-Inszenierung von Ragtime beginnen. „Ich hatte die Gelegenheit, die Originalproduktion von Ragtime zu sehen“, sagt sie. „Es war eine der ersten Shows, die ich am Broadway gesehen habe, und sie hat meine Vorstellung davon, was im Theater möglich ist, neu justiert.“

Wie ihre Heimatstadt Baton Rouge ihr Handwerk beeinflusst hat

Ich bin zwar nicht mit viel professionellem Theater aufgewachsen, aber die Kultur – das Leben selbst – war [in Baton Rouge] zwischen Mardi Gras, Footballspielen und Kirche sehr theatralisch. Es war wie Farbe, Musik, Spektakel. Das generationenübergreifende Zusammenkommen, das dort rund um die Kunst stattfindet und das beim Mardi Gras stattfindet, war für mich extrem prägend. Es ist der Kern meiner theatralischen Essenz – der Glaube an Musik, Farbe, Geschichten und Gemeinschaft.

Über ihre Inspiration

In der Theaterwelt würde ich Leute wie Hal Prince [Regisseur und Komponist] und Bartlett Sher [Regisseur und ausführender Produzent des Lincoln Center Theaters] nennen, mit denen ich jetzt zusammenarbeite, aber auch globalere Einflüsse wie die internationale Arbeit von [Regisseur und Filmemacher] Peter Brook. Aber auch außerhalb des Theaters habe ich viele Einflüsse. Ich bin ein echter Fan der olympischen Eröffnungsfeiern und würde gerne alles analysieren, was dort jemals passiert ist. Ich interessiere mich sehr für Paraden und lebendige Momente, in denen sich die Gemeinschaft zum Geschichtenerzählen versammelt.

In einer ihrer Shows, die sie beeindruckte

Ich inszenierte eine neue Musical-Adaption von „Der Sturm“ im The Public. Es war meine erste Public Works-Show, und wir hatten 200 Leute auf der Bühne, darunter fünf Broadway-Schauspieler, darunter Norm Lewis und Laura Benanti. Außerdem hatten wir Schlagzeuger, einen Gospelchor und eine Blaskapelle – und all diese künstlerischen Talente nutzten wir, um eine Geschichte zu erzählen. Das war für mich ein prägender Moment, denn es war wie ein exotischer Traum, der wahr wurde. So viele Leute hatten mir gesagt, das sei unmöglich.

Issac Hernández ist der erste mexikanische Solotänzer des American Ballet Theatre (ABT). Er wuchs in Guadalajara als Kind von 11 Kindern auf und lernte sein Handwerk von seinem Vater, der ebenfalls Tänzer war. Mit 12 Jahren erhielt er ein Tanzstipendium nach Philadelphia, bevor er nach New York zog und am ABT Summer Intensives teilnahm. Anschließend tanzte er unter anderem beim San Francisco Ballet und wurde 2018 mit dem renommierten Prix de Benois de la Danse ausgezeichnet. In den letzten 12 Jahren produzierte er eine Tanzshow im National Auditorium von Mexiko-Stadt, bei der Tänzer aus aller Welt vor 10.000 Zuschauern auftraten. „Ich habe immer versucht, nach Mexiko zurückzukommen und die Tanzszene hier zu verändern“, sagt er. „Ich wollte Balladen einem anderen Publikum näherbringen und neue Fans in Mexiko gewinnen.“ Im Herbst wird er außerdem zusammen mit Jessica Chastain in dem Film „ Dreams“ zu sehen sein.

Über seine Einflüsse

Mein Vater war mein Ballettlehrer, daher habe ich meine Leidenschaft von ihm geerbt. Als ich aufwuchs, sprachen wir über komplexe Themen, und ich entwickelte eine große Leidenschaft für Politik, Geschichte und Persönlichkeiten, die Außergewöhnliches geleistet haben. Wie Einstein und Chaplin und all diese großartigen Menschen, die Visionen hatten und mit wenig Aufwand etwas Außergewöhnliches aus ihrem Leben machten.

Warum Ballett bei den Menschen Anklang findet

Tanzen ist ein wesentlicher Bestandteil menschlicher Verbundenheit. Es ist eine universelle Sprache und etwas, das uns verbindet. Es kommt selten vor, dass man sich die Zeit nimmt, die Schönheit vor den eigenen Augen lebendig werden zu sehen und dieses gemeinsame Erlebnis als Gemeinschaft zu erleben.

An seinem Lieblingsveranstaltungsort

Das National Auditorium in Mexiko-Stadt ist unglaublich aufregend, denn es bietet 10.000 Sitzplätze. So etwas habe ich noch nie zuvor irgendwo auf der Welt erlebt. Und wegen des Publikums – es sind Leute, die meine Karriere seit meinem achten Lebensjahr verfolgen. Ich habe die mexikanische Community wirklich beeinflusst, deshalb ist es immer ein ganz besonderes Gefühl. Ich kann meine Familie dort haben und einen Abend und ein Erlebnis für 10.000 Menschen gestalten. Wenn alles klappt, ist es aufregend – es fühlt sich anders an als alles, was ich je erlebt habe.

Joana Mallwitz begann früh. Die Dirigentin begann mit drei Jahren Klavier und mit fünf Jahren Geige zu spielen. Schon als Kind in Hildesheim musizierte sie mit ihren Freunden, doch erst mit 13 Jahren, als sie eine Musikhochschule in Hannover besuchte, entdeckte sie ihre Liebe zur symphonischen Musik und zur Oper. Heute ist Mallwitz Chefdirigentin und künstlerische Leiterin des Konzerthausorchesters Berlin – die erste Frau an der Spitze eines der großen Berliner Orchester. Sie tourt auch durch die Welt und dirigiert derzeit Mozarts Le Nozze di Figaro an der Metropolitan Opera.

Warum junge Leute in die Oper gehen sollten

Geht einmal hin. Wenn jemand zum ersten Mal in die Oper oder zu einer Symphonie geht, passiert manchmal diese Magie, wenn ihn die Töne mitten ins Herz treffen. Man kommt immer wieder, weil man nicht wirklich erklären kann, was dort passiert. Es ist ein sehr emotionales und körperliches Erlebnis. Wenn Schlagwerk und Streicher spielen, durchströmen diese wunderschönen Klangwellen den Raum. Sie gehen durch einen hindurch. Opernsänger haben Stimmen, die riesige Säle füllen. Es ist auch ein Erlebnis, das man mit vielen Menschen macht. Alle, unabhängig von ihrem Alter und ihrer Herkunft, erleben dieses intensive Erlebnis gemeinsam. Das finde ich nirgendwo sonst.

Über ihren größten Einfluss

Leonard Bernstein. Ich habe ihn nie getroffen, aber er ist ein echter Musiker. Er ist so voller Musik, und alles, was er tut, wirkt so natürlich, aber ich sehe, dass es nicht nur Instinkt ist. Natürlich hat er hart studiert, aber seine Musik geht durch seinen Kopf in sein Herz und in seinen Körper. Dann lässt er die Musik frei. Er hat diese wunderbare Art, mit Menschen in Kontakt zu treten, seien es Kinder oder einfach nur Menschen, die einfach nur da sind – er bringt seine Begeisterung mit jedem in Verbindung.

Am besten Ort, an dem sie je dirigiert hat

Die Metropolitan Opera ist einfach unglaublich, weil sie riesig und glamourös ist, aber hinter den Kulissen herrscht eine familiäre Atmosphäre. Alle arbeiten so eng zusammen und kümmern sich umeinander. Und ich muss auch das Konzerthausorchester Berlin erwähnen – es ist meine künstlerische Heimat, und ich liebe es. Ich bin mit meinem Orchester dort, und das ist einfach der magischste Ort für mich. Mein Eröffnungskonzert dort im Jahr 2023 fühlte sich wie Weihnachten an. Wir hatten drei Tage Proben, und dann mussten wir der Welt zeigen, was wir machten und wohin wir gingen. Der ganze Saal bebte vor explosiver Energie und Neugier. Am Ende standen alle, und die Energie war unglaublich. Das werde ich für immer in meinem Herzen tragen.

Chloe Misseldine hätte nie gedacht, dass sie jemals zur Ersten Solistin befördert werden würde. Das war in der Geschichte des ABT noch nie passiert. Dann, während der Verbeugung nach einer unvergesslichen Aufführung von Schwanensee am 3. Juli 2024, geschah es – sie wurde auf TikTok viral, ihre Emotionen waren für alle sichtbar. Für Misseldine, die diesen Sommer ihre Rolle in Schwanensee wieder aufnimmt, ist Ballett eine Familienangelegenheit. Ihre Mutter war Solistin beim ABT und brachte Misseldine das Tanzen in ihrem Heimatstudio in Orlando, Florida, bei. Als Kind schlüpfte sie in die Spitzenschuhe ihrer Mutter und stapfte durchs Haus – jetzt tritt sie buchstäblich in deren Fußstapfen.

Warum Ballett eine jüngere Generation ansprechen kann

Ballett ist eine wunderschöne Kunstform, die sich täglich verändert. Es entwickelt sich weiter. Tanzen ist eine neue Möglichkeit, Emotionen auszudrücken. Wenn junge Menschen zum Ballett kämen, würde es sie meiner Meinung nach auf unerwartete Weise berühren. Ich bin professionelle Tänzerin, gehe aber trotzdem zum Ballett, egal ob in meiner Kompanie oder in anderen, um meinen Kollegen zuzuschauen. Es kann einen auf ganz unterschiedliche Weise berühren, ohne dass man es merkt, und es inspiriert mich.

Über ihre Inspiration

Meine Mutter ist meine größte Inspiration. Sie war meine ganze Karriere lang mein Fels in der Brandung und mein leuchtendes Vorbild. Sie ist auch meine beste Freundin. Ich kann mit ihr über alles reden. Sie kommt aus Shanghai und ist als junge Erwachsene in die USA gezogen. Sie sprach kein Englisch, und zu sehen, wie sie sich durchs Leben navigierte, ist für mich eine große Inspiration.

Über ihre Einflüsse

Natasha Makarova ist eine russische Ballerina, die übergelaufen ist und zu ABT kam. Sie ist unglaublich – eine meiner größten Inspirationen. Auch Gelsey Kirkland, die ebenfalls bei ABT war, ist unglaublich. Ihre Arbeitsmoral und ihr Engagement sind unglaublich.

Als Kind kam der zweifache Tony-Preisträger und Hauschoreograf des New York City Ballet, Justin Peck, jeden Sommer mit seinem Vater von San Diego nach New York City, um sich Aufführungen anzusehen. Diese Reisen weckten seine Leidenschaft für das Handwerk und spornten ihn schließlich an, sich in New York City niederzulassen, um sich hauptberuflich dem Tanz zu widmen. Pecks Arbeit mit dem NYC Ballet fand breite Anerkennung bei den Kritikern. Er gewann auch Tony Awards für seine Choreografie bei der Wiederaufnahme von Carousel im Jahr 2018 und für Illinoise , ein Broadway-Musical, das von Sufjan Stevens’ gleichnamigem Album inspiriert wurde. Nun ist Peck dank einer Nominierung zusammen mit Patricia Delgado für seine Choreografie in Buena Vista Social Club zum dritten Mal im Rennen um einen Tony.

Auf welche Arbeit ist er besonders stolz?

Ich habe ein Interview darüber gehört, welche Arbeit das Wesen des Seins definiert, und ich würde mich für Illinoise entscheiden. Es ist eine Hommage an all meine Einflüsse und Inspirationen seit meiner Jugend. Es dreht sich viel um Gemeinschaft, ein Thema, das sich durch meine Arbeit zieht. Ich hatte schon immer Schwierigkeiten, ein Gemeinschaftsgefühl zu entwickeln, daher erscheint mir die Entwicklung einer Show oder eines Tanzes als ein greifbarer Weg dorthin. Es bringt nicht nur die Besetzung und das Kreativteam zusammen, sondern auch das Publikum kann daran teilhaben. Ich bin stolz auf die Arbeit und gleichzeitig verblüfft, wie sie zu dem wurde, was sie ist.

Warum Tanzen wichtig ist

Tanz ist Ausdruck des Unterbewusstseins und spricht etwas weniger Kognitives an. Tanzkompositionen haben viel Logik, doch die Emotionen, die sie durchdringen, sind tiefer. Sie lassen sich nicht in Worte fassen. Es gibt Elemente, die ein Gefühl von Verbundenheit, Zusammengehörigkeit, Gemeinschaft und Schönheit ausdrücken. Tanz ist eine dieser seltenen und einzigartigen Kunstformen, die schwer zu verstehen ist, aber wenn sie richtig umgesetzt wird, ist sie eines der tiefgreifendsten Erlebnisse, die man haben kann.

Über ein Musikstück, das er liebt und das die Leute überraschen würde

„Pink Pony Club“ von Chappell Roan. Ich liebe das ganze Album. Es ist eines dieser Alben, bei denen ich denke: „Verdammt, das Ganze ist einfach so gut.“

Hayato Sumino hätte nie gedacht, dass sich Menschen seines Alters für klassische Musik begeistern würden, doch sein YouTube-Kanal hat ihm das Gegenteil bewiesen. Der 29-jährige Star, geboren und aufgewachsen in Japan, mit fast 1,5 Millionen Abonnenten auf YouTube, studierte ursprünglich Informatik. In seiner Freizeit spielte er gerne Tasteninstrumente, und während der COVID-19-Pandemie begann er, Videos auf YouTube hochzuladen. Sumino ist heute dafür bekannt, Jazzimprovisationen in seine klassischen Konzerte einzubauen, und wird diesen Herbst sein Debüt in der Carnegie Hall geben, wo er Chopin, Kapustin und einige seiner eigenen Werke spielen wird.

Über sein bevorstehendes Debüt in der Carnegie Hall

Ich bin vor zwei Jahren nach New York gezogen. Damals hatte ich noch kein Engagement in Amerika – ich wollte einfach nach New York ziehen, um im Ausland eine größere Karriere zu starten. Natürlich war ein Konzert in der Carnegie Hall eines meiner größten Ziele. Ich hätte nicht gedacht, dass es so schnell klappt, aber ich bin so glücklich.

Über seine Rituale vor Auftritten

Ich versuche, keine Rituale zu haben, weil ich manchmal etwas nicht kann. Ich übe einfach so viel wie möglich, wärme meine Hände auf und nehme Hustenbonbons.

Auf seinem YouTube-Kanal

Ich hätte nie gedacht, dass mein Kanal so populär werden würde. Ich habe ihn nur aus Spaß gestartet, als ich noch zur Schule ging. Mein erstes Video war nicht mal ein Klavierkonzert – ich habe Videospiele gespielt. Es war völlig zufällig, aber irgendwie wurde es immer größer, besonders während COVID, weil meine Konzerte abgesagt oder verschoben wurden und wir alle zu Hause bleiben mussten. Ich beschloss, mich in dieser Zeit auf YouTube-Inhalte zu konzentrieren. Es hat ziemlich viel Spaß gemacht. Ich konnte machen, was ich wollte, jedes beliebige Stück covern. Irgendwann habe ich angefangen, auch klassische Musik hochzuladen. Anfangs hatte ich nicht erwartet, dass es viele Aufrufe bekommen würde, weil es so begrenzt ist, aber am Ende hat es viel Aufmerksamkeit erregt.

Kara Young hält den Rekord für die meisten aufeinanderfolgenden Tony-Nominierungen einer schwarzen Künstlerin. Ihre erste Nominierung erhielt sie 2022 für Clyde’s , gefolgt von einer Nominierung für The Cost of Living (2022); anschließend gewann sie für ihre Rolle in der Neuauflage von Purlie Victorious (2023). Dieses Jahr ist sie erneut für den Preis nominiert – diesmal für ihre Rolle als Aziza in Branden Jacobs-Jenkins' Purpose . Young nennt Harlem, ihren Geburtsort und ihre Heimatstadt, als Inspiration für ihre Arbeit. In diesem Viertel entdeckte sie ihre Liebe zu den darstellenden Künsten und nahm während der Schulzeit an außerschulischen Aktivitäten wie Tanzen und Schauspiel teil. Sie schrieb sich am College ein, brach das Studium jedoch nach einer mitreißenden Improvisationsvorstellung, die das Publikum zu Tränen rührte, ab und widmete sich ganz ihren Schauspielträumen. Heute ist sie in die Geschichte der Tony Awards eingegangen.

Zur Teilnahme an der Met Gala in diesem Jahr

Es war einer dieser ikonischen Momente der schwarzen Geschichte und der schwarzen Mode – eine Hommage an so viele vor uns und an die Giganten, auf denen wir stehen. Da ich in Harlem geboren und aufgewachsen bin, hat mich die Ausstellung „Superfine: Tailoring Black Style“ absolut erschaudern lassen. Ich möchte drei, vier oder fünf Mal wiederkommen.

Über ihre herausragende Leistung

Ich habe 2017 dieses Stück namens „Syncing Ink“ aufgeführt. Es wurde zuerst im Alley Theater [in Houston] aufgeführt und später im Flea Theater [in New York City]. Es war eine Hommage an Hip-Hop und die Vorfahren und war eines dieser Stücke, die kein Theaterstück, sondern ein Erlebnis waren. Es war eine große Herausforderung, weil ich völlig offen und gestaltbar sein musste, da es sehr interaktiv mit dem Publikum war. Schließlich kamen Leute von überall her, um das Stück in einem Theater mit 99 Plätzen zu sehen. Es war der absolute Wahnsinn.

Warum Theater wichtig ist

In dieser Welt gibt es so viele Trennungen zwischen Rasse, Klasse, Geschlecht und mehr. Wir versuchen, die Menschen in ihre Schubladen zu stecken. Das Theater ist einer der wenigen Orte, an denen Menschen aller Herkunft zusammenkommen. Menschen jeden Alters und jeder Herkunft sitzen drei Stunden lang zusammen und hören sich ein Stück an. Gestern Abend [bei unserer Aufführung von Purpose ] war es für mich so verrückt, dass Angela Bassett und Daniel Kaluuya, die größten Stars, im selben Theater saßen mit Leuten, die vielleicht 45 Dollar für eine Eintrittskarte bezahlt hätten. Das schafft eine solche Vereinigung der Herzensschläge und erinnert uns daran, dass wir alle Menschen sind. In Purpose legt uns Brandon [Jacobs-Jenkins, der Autor] so viel dar. Es gibt nicht eine Sache, zu der man hinausgehen und sagen kann: „Darum geht es.“ Es geht um so viele Dinge, und dass wir alle zusammen sind und uns einbringen – das ist gerade revolutionär.