De eeuwig jonge Brit: David Hockney viert het leven en zijn kunst

Een wolkenloze, staalblauwe lucht, een laagbouw, minimalistische bungalow, twee palmbomen ernaast en op de voorgrond het groenblauwe water van een zwembad met duikplank. Het geschilderde tafereel is verlaten, maar het gespetter en schuimende water maakt het duidelijk: iemand is net het frisse water ingestapt en ondergedompeld.

Het schilderij "A Bigger Splash" uit 1967 en andere zwembadtaferelen maakten hem beroemd, zelfs populair. Nu herinnert schilder David Hockney ons eraan dat hij zich verre van zulke dingen laat beperken: met een grote tentoonstelling in de Fondation Louis Vuitton in Parijs.

De Brit, geboren in 1937 in Bradford (West Yorkshire) nabij Leeds, kreeg carte blanche van de culturele instelling aan de rand van het Bois de Boulogne om op maar liefst vier verdiepingen van het spectaculaire Frank Gehry-gebouw de ene verrassing na de andere te presenteren. Van kelder tot dak toont de 88-jarige Hockney werk uit zeven decennia, maar vooral zijn recentere werk, in elf, soms enorme, zalen.

De tentoonstelling overtreft alle eerdere tentoonstellingen van de kunstenaar, althans qua omvang. Franse kranten zijn er vol lof over en de BBC worstelt om zijn Britse kalmte te bewaren. De beste publiciteit komt echter van de Parijse metro, die doorgaans graag adverteert.

Nu haalt hun afwijzing van het ingezonden posterontwerp juist de krantenkoppen – een foto van de kunstenaar die rookt voor een zelfportret met een smeulende sigaret. Naar verluidt is Hockney, een fervent roker, een soort Helmut Schmidt van de kunst, "not amused" door deze reactie in het thuisland van Gauloises en Gitanes.

Hockney vocht al tegen intolerantie vóór het wokeisme bestond. De eeuwig jeugdige, vaak kleurrijk geklede, levenslustige kunstenaar begroet bezoekers buiten op de gevel met de neonslogan "Do remember, they can't cancel the spring." De slogan "Remember, they can't cancel the spring" is die van een hedonist die naam maakte in Londen tijdens de "Swinging Sixties".

Als activistisch schilder, en zelfs voordat de term 'coming out' populair werd, liet Hockney zien wat voor hem persoonlijk belangrijk was. Hij behandelde homo-erotiek en homoseksualiteit subtiel maar duidelijk in 1961 met 'We Two Boys Together Clinging' en in 1963 met 'Two Men in a Shower'.

Hoewel de omvangrijke tentoonstelling "David Hockney 25" niet bedoeld is als retrospectief, staat het werk uit de afgelopen 25 jaar centraal. Mede dankzij de steun van de ervaren curatoren Suzanne Pagé en Sir Norman Rosenthal brengt de tentoonstelling 400 werken samen: schilderijen en tekeningen, traditioneel gemaakt met penseel, palet en pen, maar ook werken gemaakt op een computer of tablet, en video-installaties.

Hockney was vanaf het begin geen fan van abstractie. Hoewel, of misschien juist omdat, het populair was in de jaren 50, schilderde hij zijn vader in 1955 in een figuratieve, gematigd modernistische stijl, met zwart, bruin en beige. Een sombere straatscène uit 1956 oogt aanzienlijk deprimerender. Als student aan de plaatselijke kunstacademie in Bradford stapte hij in 1959 over naar het Royal College of Art in Londen en begon hij meer licht en kleur toe te voegen aan zijn figuren, en ook stofpatronen te verwerken. Destijds gebruikte hij nog steeds olieverf, maar al snel verving hij deze door acrylverf.

Ook hij verhuist van woonplaats en woont een aantal jaren in Los Angeles, vervolgens in Parijs, later in het oostelijke deel van zijn geboortestreek Yorkshire en ten slotte in Normandië, alvorens zich in 2023 in Londen te vestigen. Grote steden met hun musea hebben hem kennis laten maken met oude kunst uit verschillende tijdperken en hem geïnspireerd tot dialogen met beroemde meesters, terwijl landschappen in de VS, Engeland en Frankrijk hem de natuur en haar soms eenvoudige charmes onthulden.

Hoewel er ook veel portretten en stillevens te zien zijn, ligt de nadruk van de tentoonstelling op landschappen. In één ruimte worden de lichten gedimd, zodat een reeks nachtscènes centraal staat in het glinsterende maanlicht. Hockney is zichtbaar en oprecht gefascineerd, vooral door velden met hooibalen, kronkelige paden en kronkelende landweggetjes; hij beeldt bomen af ​​die knoestig zijn in de winter, bloeien in de lente en vruchten dragen, zoals peren, in de herfst. Zijn keuze van kadrering en perspectief is opvallend. Van een afstandje resoneren Monet en het impressionisme, maar in de meest coloristisch intense schilderijen is het vooral wijlen Bonnard.

Zijn kleurexplosies getuigen van pure joie de vivre, en in veel gevallen zelfs van humor. Zijn veelzijdigheid is opmerkelijk en zijn creativiteit neemt voortdurend nieuwe dimensies aan. De verwondering neemt nooit af, niet in de laatste plaats omdat Hockney altijd geïnteresseerd is geweest in nieuwe elektronische media en talloze antwoorden heeft gegeven op de vraag hoe deze gebruikt kunnen worden. Zo wisselen klassieke schilderijen zich onverwacht af met schermen met bewegende beelden, die de creatie van een werk documenteren.

"The Rain" is een video die zich in een continue lus bevindt: voor een geschilderd landschap imiteren snelle en dicht op elkaar geplaatste penseelstreken voortdurend de vallende druppels van een hevige stortbui, alsof we het uit een raam zien stromen.

Hockney houdt van illusionisme en het spelen met een afbeelding in een afbeelding, in vaktermen bekend als "mise-en-abyme". In een werk bijvoorbeeld kijken we in een kamer vol stoelen en mensen, waar een wandvullende spiegel alles reflecteert. Aan de andere kant breekt, vermenigvuldigt en herhaalt hij beelden door middel van uitgestrekte arrangementen – bijvoorbeeld dicht naast elkaar geplaatste panelen of schermen, in drie brede stroken van elk zes afbeeldingen.

Hoewel de dramaturgie van de voorstelling berust op verrassingselementen, wordt de kijker toch nog geraakt door de finale, namelijk wanneer Hockney hem uitnodigt in een donkere zaal vol projecties en geluiden. Bewegende beelden op muziek van Puccini, Wagner en Richard Strauss bijvoorbeeld, zijn gebaseerd op zijn decennialange ervaring met decors, die in 1975 begon met zijn werk aan een productie van Stravinsky's "Rake's Progress". "We hebben meer opera nodig," verklaart hij, "het is groter dan het leven zelf."

De meest recente tentoonstelling dateert van begin dit jaar: het zelfportret met een afbeelding in een afbeelding, te zien op het belastende fotoposterontwerp. Het toont de schilder zittend in een hoekje van een tuin, met een gele bril op zijn neus, een pen in de ene hand en een sigaret in de andere. Gekleed in een wit overhemd, rode stropdas en een geel-rood gebloemd pak, draagt ​​Hockney de "Einde bazigheid snel"-knop op zijn revers.

“David Hockney 25”, Fondation Louis Vuitton, Parijs, tot 31 augustus, catalogus 49,90 euro.