Hamnet: Chloé Zhao und Jessie Buckley heben den Schmerz des Verlusts an die Grenzen des Erhabenen (*****)

Das neuere Kino hat nur wenige Enden hervorgebracht, die so gewaltig , so voll, so schmerzhaft, so brutal und so erlesen zugleich sind, so zart und, wenn man so will, so unbescheiden, so zweifellos schön, so unwiderstehlich kathartisch und exzessiv, so erstaunlich in demselben Sinne, wie Dreyer es wagte, das Wunder der Auferstehung in Ordet zu verfilmen. Die Brust schmerzt, und es ist nicht so sehr die Emotion, die auch da ist, sondern die Gewissheit der Erkenntnis, das Gefühl, dass an irgendeinem unbestimmten Ort, in einem Organ, das wahrscheinlich nicht einmal einen Namen hat, das, was im 16. Jahrhundert einem Paar widerfuhr, das ein Kind verlor, derselbe Abgrund ist, der die Endlichkeit eines jeden von uns definiert. Die Epoche, das Jahrhundert, die auf der Supermarktkarte gesammelten Punkte oder der Familienstand sind alle irrelevant. Mit Hamnet (mit N, nicht mit L), basierend auf dem Roman von Maggie O'Farrell, die auch gemeinsam mit dem Regisseur das Drehbuch schrieb, vollendet Chloé Zhao ihr zweifelloses Meisterwerk und natürlich auch unseres und das jedes Zuschauers, der sich bereit erklärt, sich jeden der großen und kleinen Schmerzen anzueignen, die die verwüstete Geografie einer vom Tod zerstörten Liebe ausmachen. Plötzlich appelliert das oft wiederholte Dilemma des Seins oder Nichtseins, um das sich das berühmteste Werk aller Zeiten dreht, nicht mehr so ​​sehr an einen existenziellen Zweifel oder die sichere Möglichkeit des Selbstmords eines entthronten dänischen Königs, sondern an etwas so Nahes und Beispielloses wie die Akzeptanz des Lebens trotz allem, trotz seiner unerträglichen Dunkelheit in bestimmten Momenten, trotz des Bedauerns über das, was geschieht und was belastet. Hamnet, ein Film, ohne Zweifel, so sehr.

Auf ihre Weise bringt die Regisseurin eine Konstante auf den Höhepunkt, die all ihre Filme in all ihren Formen und Positionen prägt. Egal, ob es sich um den melancholischen und spannenden Film „The Rider“ , den kämpferischen „Nomadland“ oder den desaströsen Ausflug in die Marvel-Welt mit „Eternals“ handelt. In allen Filmen, so erklärt die Regisseurin selbst (sie erklärte es der Autorin in einem Londoner Hotel in Begleitung ihrer beiden Hunde), geht es darum, sich einer Beschreibung der Welt im Allgemeinen von dem aus zu nähern, was sie ohne zu zögern als ihre weibliche Seite, ihr Mysterium, ihre Wahrheit in all ihrer offensichtlichen Rohheit bezeichnet. Und deshalb besteht sie darauf, sich filmischen Genres wie dem Western , dem Superhelden oder dem Roadmovie zuzuwenden, die auf ihre Weise so traditionell männlich sind. Obwohl sie in Wahrheit nicht über Geschlechter- oder Kulturkriege spricht, obwohl sie es ein wenig tut; auch nicht über Mystizismus, obwohl sie es auch ein wenig tut, und es ist nicht nur eine einfache Erleuchtung, obwohl es bei näherer Betrachtung eine ist. Gesegnete Aufklärung! Die ganze Anstrengung besteht darin, die Strenge einer traditionellen, instrumentellen und reaktiven Erzählweise abzubauen, die sich ausschließlich darauf konzentriert, nützlich, profitabel, effektiv, dominierend und kolonial zu sein. Und daraus entsteht ein im Wesentlichen transzendentales Kino, das an Ozu, Dreyer, Bresson, Agnès Varda und Terrence Malick erinnert. Mit anderen Worten: Es geht nicht darum, etwas zu erfinden, sondern darum, übertrieben kohärent zu sein.

Es ist also kein Zufall, dass Zhao sich für das berühmteste Werk des Dichters entschied, dank O'Farrells bemerkenswerter Neuinterpretation, um seinen mittlerweile meisterhaften Plan zu vollenden. „Hamnet“ ist nichts weiter als eine Liebesgeschichte, aber immer aus ihrer Sicht. Er ist, obwohl nie namentlich erwähnt, William Shakespeare, und sie ist Agnes, nicht die Anne Hathaway, die in den Geschichtsbüchern dargestellt wird. Sie lebt in Kontakt mit einer Natur, die sich ihr zu Füßen öffnet wie ein Geschenk, ein Geschenk, ein unbezwingbares Königreich. Das erste Bild zeigt uns den Protagonisten, monumental verkörpert von Jessie Buckley, in einer Draufsicht am Fuße einer tiefen Höhle, eine Prophezeiung all dessen, was kommen wird. Er, gespielt von Paul Mescal, dazu verdammt, von seinem Co-Star in den Schatten gestellt zu werden, ist ein Grammatiklehrer, dessen Leben eine einzige, ungewollte Zukunft im Handschuhmachergeschäft seines Vaters vorsieht. Sie treffen sich, begehren einander und vollziehen ihre Liebe, wie es nur Revolutionen können. Erst dann wird seine ehrenwerte Familie der Heirat zustimmen. Dann kommt die erste Tochter, später die Zwillinge, einer von ihnen heißt Hamnet, mit n. Und dann kommt der Erfolg des Literaturlehrers in London, der kein Handschuhmacher werden wollte.

Was folgt, ist Kino, das sich allein auf die Berührung und den Geruch des Bildes selbst konzentriert. Es ist Kino, das sich der Umkehrung der Wortbedeutungen, der Veränderung der Kartenanordnung und dem Vordringen bis zum Schock verschrieben hat. Es ist Kino, das ganz von der anderen Seite aus komponiert ist, von der weiblichen Seite, von der Seite, die sich immer in denselben alten Geschichten verbirgt. Und so weiter, bis wir zum ersten Mal Zeuge des Todes des kleinen Jungen in der hingebungsvollsten Verzückung des Schmerzes werden. Es schmerzt wegen seiner Intensität, seiner Klarheit, seiner erstaunlichen Einfachheit, die auch Naivität sein kann, und es schmerzt einfach, weil es wahr ist. Es schmerzt, weil Schmerz immer alle betrifft.

Das Finale ist die Konfrontation zwischen der Art und Weise, wie ein Dramatiker, der älteste von allen, mit dem Verlust seines Sohnes umgeht, und der Art und Weise, wie sie, Agnes, damit umgeht. Auf der Bühne wird Hamlet (mit L) aufgeführt, und in der ersten Reihe des Publikums sitzt sie. Und im Hintergrund dieselbe Leere und Stille, die wir in der Eröffnungsszene des Films sahen, als Max Richters „Über die Natur des Tageslichts“ gespielt wurde. Wenn man so will, wird das Spiel im Theater (Spiel in der Szene) , das Shakespeare selbst in Hamlet mit „Die Mausefalle“ vorschlägt, nun wiederholt und sublimiert. Plötzlich bekommt das Stück, das wir alle kannten, eine andere Bedeutung, ein anderes Gefühl, einen anderen Abgrund. Von der anderen Seite. Verheerend und erhellend. Sein oder Nichtsein ist plötzlich ein Angebot des Lebens. Wie wundervoll, Chloé Zhao.

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Regie : Chloé Zhao. Darsteller : Jessie Buckley, Paul Mescal, Jacobi Jupe. Laufzeit : 125 Minuten. Herkunft : Vereinigtes Königreich.