Do Outback à Tate Modern: a ascensão da arte aborígene a um mercado multimilionário

A arte indígena da Austrália está passando por um renascimento – e não é mais encontrada apenas nos estúdios de comunidades remotas ou nas grandes galerias de Sydney e Melbourne. Milhões de dólares estão sendo pagos por obras de artistas indígenas no mercado de arte internacional.

As obras de Emily Kame Kngwarreye (c. 1910–1996), em particular, estão entre as obras de arte australianas mais procuradas atualmente. A Tate Modern de Londres inaugura sua primeira grande exposição individual na Europa até janeiro de 2026.

"A cultura está em constante evolução. Em nenhum outro lugar do mundo existe tanta criatividade artística quanto entre as Primeiras Nações aqui na Austrália", afirma Maud Page, diretora da Galeria de Arte de Nova Gales do Sul, em Sydney. A instituição abriga uma das coleções mais importantes de arte indígena, incluindo obras de Kngwarreye. De fato, a arte aborígene e dos habitantes das Ilhas do Estreito de Torres tem se desenvolvido rapidamente nos últimos anos, não apenas na Austrália, mas também no cenário internacional.

Grandes exposições, reconhecimento institucional e aumento da demanda reacenderam o interesse. Ao contrário do boom especulativo do início dos anos 2000, caracterizado pela exploração, o mercado agora cresce em um ambiente mais regulamentado.

Com um faturamento anual de mais de 250 milhões de dólares australianos (equivalente a mais de 130 milhões de francos suíços), a arte indígena se tornou um fator significativo, tanto econômica quanto culturalmente.

A predominância de artistas indígenas é impressionante. Elas moldaram o movimento com novos estilos e técnicas. Emily Kame Kngwarreye é um exemplo notável. Nascida na região de Sandover, no Território do Norte, ela cresceu em um mundo onde a conexão espiritual com a terra era central. Ela começou a usar batik na década de 1970, antes de migrar para a pintura acrílica sobre tela no final da década de 1980.

"Quando ela surgiu, cativou a imaginação de todos", diz o crítico de arte australiano John McDonald. "Era uma velhinha que só começou a pintar na casa dos 70 anos — e depois pintou como uma louca... Ela teve uma ascensão meteórica, e a Austrália de repente percebeu que tinha um fenômeno em mãos."

Em menos de uma década, Kngwarreye criou uma obra monumental. Suas obras são caracterizadas por um profundo conhecimento da terra e das cerimônias femininas de "awely", que abrangem canto, dança e pintura corporal. Ela sempre pintava sentada no chão — assim como preparava comida, colhia inhames ou contava histórias na areia.

Seu estilo de pintura desenvolveu-se independentemente das tendências europeias ou norte-americanas de sua época. "Isso mudou nosso respeito pelos povos indígenas... Emily era vista não apenas como uma representante do povo aborígene, mas como uma representante de toda a Austrália", diz McDonald.

A exposição em Londres, criada em colaboração com a Galeria Nacional da Austrália, apresenta mais de 70 obras de todas as fases da carreira da artista — desde os primeiros batiks em algodão até pinturas acrílicas de grande formato, que estão sendo vistas fora da Austrália pela primeira vez. O destaque é a "Suíte Alhalker", de 1993, um ciclo de 22 partes que retrata o país de suas origens em cores e formas vibrantes.

“No cerne de sua prática está realmente capturar a energia da terra — aquela sensação de que a terra é viva, está em constante mudança e é um ser senciente”, diz Cara Pinchbeck, curadora de arte aborígene e dos habitantes das ilhas do Estreito de Torres na Galeria de Arte de Nova Gales do Sul.

As pinturas apresentam símbolos da natureza: a ema ("ankerr"), o inhame ("anwerlarr") e suas vagens comestíveis ("kam"), que deram nome a Kngwarreye. Suas obras oscilam entre complexas camadas de cores e padrões minimalistas de linhas que lembram pinturas corporais. Nos últimos anos, ela finalmente se voltou para pinturas gestuais com pinceladas fluidas — pinturas repletas de energia que ainda hoje exercem um impacto imediato.

Sua entrada tardia na arte não é um caso isolado. "Muitos artistas só começaram a pintar mais tarde na vida porque tinham outras responsabilidades antes — especialmente o trabalho", explica Pinchbeck. A própria Kngwarreye passou décadas como vaqueira em uma fazenda de gado antes de ter seu primeiro contato com a pintura por meio de workshops. "Em centros de arte em comunidades remotas, é comum que as mulheres comecem cedo pela manhã, pintem o dia todo e voltem para casa à noite", diz Pinchbeck. "É uma verdadeira dedicação à criação — e, ao mesmo tempo, uma lição para todos ao seu redor sobre a terra."

Os centros de arte não são apenas locais de expressão criativa, mas também fontes de renda para a economia. "Alguns artistas não só se sustentam com sua prática artística, mas também com suas famílias inteiras", diz o curador. Para eles, criar arte é uma forma de permanecer no país e sustentar suas famílias. "Em muitas dessas comunidades remotas, quase não há outras oportunidades de emprego." Assim, a arte se torna a base da vida social e cultural.

O sucesso global da arte aborígene vai muito além de artistas individuais. Um mercado internacional surgiu agora, atraindo tanto colecionadores particulares quanto grandes museus. Enquanto na década de 1970 quase ninguém fora da Austrália notava a arte do deserto, obras individuais agora alcançam preços na casa dos milhões de dólares.

Esse sucesso econômico não é isento de ambivalências: "O pêndulo oscilou longe demais na outra direção", critica o crítico de arte McDonald, por exemplo. Arte medíocre é frequentemente promovida sob a bandeira do privilégio – "e isso não ajuda ninguém". Ele também não está convencido pela atual exposição em Londres. "A Criação da Terra", sua maior e mais famosa obra, foi omitida – assim como suas últimas 24 obras pequenas e tocantes. Isso torna a exposição uma "oportunidade perdida".

McDonald também critica duramente a própria afirmação da instituição: "A Tate se parabenizou por todas as coisas maravilhosas que faz pelos artistas indígenas – mas não gastou quase nada na exposição. Isso é profundamente hipócrita." A descrição de Kingwarreye em um ensaio como "uma espécie de força descolonizadora" também é apenas "uma ideia da moda" que não acrescenta nada à história em si.

No entanto, a exposição na Tate Modern marca o ápice de uma evolução: a arte aborígene, antes criada apenas em regiões desérticas remotas, encontrou seu lugar em grandes museus internacionais. O fato de um dos locais de exposição mais importantes do mundo agora dedicar uma mostra completa a Kngwarreye é um passo há muito esperado.

“Emily Kame Kngwarreye”, Tate Modern, Londres, até 11 de janeiro de 2026.